În primul deceniu de după consecințele celui de-al Doilea Război Mondial, industria cinematografică mondială nu a pierdut niciun pas. Dar care dintre ele sunt, de fapt, cele mai bune?
De-a lungul mijlocului secolului XX, arta cinematografică a evoluat prin rafinarea stilului studiourilor comerciale. În același timp, experimentele progresive, cum ar fi muzica electronică, până la adoptarea pe scară largă a Technicolor și a panoramei widescreen, au dus mediul la următorul nivel. În timp ce toate acestea se întâmplau, vedetele de cinema s-au obișnuit tot mai mult să fie singurele motive pentru care publicul se ducea să vadă filme în primul rând.
Arena cinematografiei s-a extins și pe parcursul anilor 1950. În timp ce filmele americane produse la Hollywood se bucurau de o dominație culturală și comercială, filmele din alte părți ale lumii – Japonia, Suedia, Italia, Franța și din alte părți – au început să intre în discuție.
În timp ce imaginea predominantă a anilor 1950 poate fi cea a valorilor americane sănătoase, cele mai mari filme care au apărut în acei ani au fost orice altceva. Pe fondul vânătorii de vrăjitoare comuniste, al începutului Războiului Rece și al atrocităților comise și îndurate în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, cele mai bune filme din anii 1950 sunt impregnate de paranoia, obsesie psihologică și curaj nebunesc împotriva unor șanse insurmontabile. Dar existau și cântece și dansuri.
Pentru a dovedi cât de diversificați din punct de vedere atmosferic au fost de fapt anii 1950, iată 32 dintre cele mai bune filme ale deceniului.
32. Cele zece porunci (The Ten Commandments) (1956)
(Credit imagine: Paramount)
Ultimul film al lui Cecil B. DeMille este, fără îndoială, capodopera sa, un blockbuster hollywoodian de proporții literalmente biblice. Bazat pe mai multe texte-sursă, printre care Prințul Egiptului de Doroth Clarke Wilson și Stâlpul de foc de J. H. Ingraham, fără a mai menționa Biblia, Cele zece porunci îl urmărește pe Moise (Chartlon Heston) de la nașterea și adopția sa în Egipt până la acceptarea de către acesta a regulilor lui Dumnezeu pe Muntele Sinai. Mai mult decât un simplu film biografic epic cu o concepție somptuoasă, Cele zece porunci relatează, de asemenea, despre rivalitatea fascinantă dintre frații lui Moise și Ramses al II-lea (Yul Brynner). Indiferent de convingerile tale, nu poți nega măreția sa spectaculoasă. Chiar și acum, Cele zece porunci este ceea ce toate superproducțiile mega-scumpe de la Hollywood ar trebui să se străduiască să imite.
31. Cenușăreasa (1950)
(Credit de imagine: Disney)
După lansarea filmului Albă ca Zăpada și cei șapte pitici în 1937, Disney și-a petrecut anii ’40 acumulând putere și influență ca studio de animație cu succese de box office precum Pinocchio, Dumbo și Bambi. În 1950, Disney a dat startul deceniului cu Cenușăreasa, o fantezie muzicală uluitoare despre o orfană suprasolicitată devenită frumoasa balului, co-regizată de Wilfred Jackson, Hamilton Luske și Clyde Geronimi. Probabil precursorul a tot ceea ce definește Disney și stilul său specific de creare a miturilor, Cenușăreasa stă drept în povestea sa universală despre magie, dragoste adevărată și faptul că are mărimea potrivită la picioare. Dacă îl privești acum, nu poți să nu cânți „Bibiddi-Bobbidi-Boo!”.
30. Planeta interzisă (1956)
(Credit imagine: MGM)
„Nu poți să privești fața gorgonei și să trăiești!” Înainte ca Războiul Stelelor să schimbe pentru totdeauna limbajul SF-ului cinematografic, a existat Forbidden Planet. Regizat de Fred M. Wilcox și avându-i în rolurile principale pe Walter Pidgeon, Anne Francis și Leslie Nielsen, Forbidden Planet este atât o pastișă glorioasă a SF-ului clasic, cât și un adevărat inovator, de la partitura muzicală revoluționară, complet electronică, la introducerea unor concepte precum călătoria mai rapidă decât lumina produsă de om. (Personajul său de referință, Robby Robotul, este, de asemenea, o legendă de la Hollywood.) Povestea sa vorbește despre un crucișător militar trimis să investigheze locul unde se află niște coloniști dispăruți, o premisă care a fost reluată de multe alte filme de gen în deceniile care au urmat.
Forbidden Planet£7,99 pe Amazon£21,36 pe Amazon
29. The Seventh Seal (1957)
(Credit imagine: SF Studios)
De la lansarea sa în 1957, The Seventh Seal al lui Ingmar Bergman rămâne cel mai mare film al regizorului din toate timpurile și cel responsabil pentru cimentarea locului Suediei în arena cinematografiei mondiale. O fantezie istorică a cărei acțiune se petrece în timpul Morții Negre, filmul urmărește un cavaler nobil (Max von Sydow) care joacă cu sinistrul și cagulatul Moarte (Bengt Ekerot) într-un joc de șah. În jurul lor se află un ansamblu de personaje care acționează în tablouri moraliste care parcă ar fi predici de predicator. Într-o epocă subliniată de orori precum Holocaustul și bombele nucleare, filmul lui Bergman își definește cu totul epoca, dar se simte totuși atemporal în dezolarea și melancolia sa.
28. Sunset Boulevard (1950)
(Credit imagine: Paramount)
Hollywood-ul este îndrăgostit nebunește de poveștile despre el însuși, chiar și de cele sumbre. În 1950, industria cinematografică se afla ferm într-o nouă eră, în care „talkies” erau norma, iar vedetele de cinema începeau să acumuleze mai multă putere și influență culturală. A apărut Sunset Boulevard de Billy Wilder. Gloria Swanson joacă rolul Normei Desmond, o actriță din filmele mute, care încearcă să revină pe piață cu ajutorul scenaristului Joe (William Holden). O poveste sumbră despre toxicitatea și natura efemeră a faimei, Sunset Boulevard este o piesă de auto-reflecție întunecată a Hollywood-ului. Este un film care se potrivește perfect cu filme precum Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood și Babylon.
27. Les Diaboliques (1955)
(Credit imagine: CinÉdis)
În acest horror-thriller psihologic de limbă franceză al regizorului Henri-Geoorges Clouzot, soția și amanta unui director de școală crud lucrează împreună pentru a-l ucide pe acesta, doar pentru a se trezi bântuite de acțiunile lor atunci când cadavrul său dispare. Les Diaboliques (lansat ca Diabolique în SUA) nu a inventat neapărat genul horror, dar influența sa vorbește de la sine; autorul Psycho, Robert Bloch, a citat acest film ca fiind unul dintre preferatele sale din toate timpurile într-un interviu din 1983. Les Diaboliques debordează de tensiune și paranoia și trebuie recunoscut ca un mister al crimei care este realizat fără cusur, fără ca măcar o picătură de sânge să fie vărsată.
26. Roman Holiday (1953)
(Credit imagine: Paramount)
Audrey Hepburn și Gregory Peck strălucesc împreună în comedia romantică aerisită, dar dulce-amară a lui William Wyler. În Roman Holiday, Hepburn joacă rolul unei prințese europene care rătăcește prin Roma și se află în compania unui fermecător jurnalist american (Peck). Împreună, cei doi se bucură de o neașteptat de romantică plimbare prin orașul antic, permițându-și să se bucure de un extaz de scurtă durată înainte de a-și relua viețile individuale. În film, o Hepburn înlăcrimată spune: „Nu știu cum să spun la revedere”. Atracția de durată a Vacanței romane după atâția ani arată că nici publicul nu știe.
25. Shane (1953)
(Credit imagine: Paramount)
Înainte ca supereroii să domnească peste cinematografie, existau pistolarii cowboy ai filmelor western. Genul a atins apogeul în anii 1950, în care un film s-a ridicat deasupra tuturor: Shane, o epopee panoramică superb regizată de George Stevens. Bazat pe cartea lui Jack Schaefer, Shane vorbește despre un pistolar iscusit (Alan Ladd) care dorește cu disperare să lase în urmă trecutul său violent. După ce își plantează rădăcinile la o familie de fermieri din Wyoming, Shane este forțat să iasă din „pensie” pentru a se lupta cu pungași prădători și baroni nemiloși. În cele din urmă, călătoria lui Shane spre apus în timp ce un copil strigă după el să „se întoarcă” prefigurează, fără să vrea, dispariția iminentă a westernurilor ca reprezentare ideală a eroismului.
24. Some Like It Hot (1959)
(Credit imagine: United Artists)
Unul dintre cele mai mari filme ale lui Marilyn Monroe a fost, de asemenea, unul dintre ultimele sale filme. În comedia polițistă „screwball” a lui Billy Wilder, Some Like It Hot, Tony Curtis și Jack Lemmon joacă rolul unor muzicieni de jazz din epoca Prohibiției care scapă de mafioții din Chicago deghizându-se în doamne și se alătură unei formații feminine ambulante în drum spre Miami. Cei doi sfârșesc prin a se îndrăgosti de cântăreața și cântăreața la ukulele a trupei, Sugar (Monroe), și încep să concureze pentru afecțiunea ei, păstrându-și în același timp identitățile false. Chiar dacă „nimeni nu este perfect”, Some Like It Hot rămâne o comedie perfectă.
23. Singin’ in the Rain (1952)
(Credit imagine: MGM)
Regizat și coregrafiat de Gene Kelly și Stanley Donen, Singin’ in the Rain este mult mai mult decât imaginile sale veșnice cu umbrele deschise, pelerine de ploaie galbene și Debbie Reynolds dansând în drumul ei spre glorie. Plasat în 1927, sfârșitul erei filmelor mute este aproape, când starul de cinema Don Lockwood (Kelly), cel mai bun prieten al său, Cosmo (Donald O’Connor), care cântă la pian, și actrița aspirantă Kathy Selden (Reynolds) lucrează împreună la un nou proiect menit să profite de noua tehnologie interesantă a sincronizării sunetului cu imaginile în mișcare. Hilar și plin de culoare, Singin’ in the Rain savurează partea mai însorită a evoluției mereu înainte a Hollywood-ului, care atât de des zdrobește visele.
22. Gojira (1954)
(Credit imagine: Toho)
La mai bine de zece ani după ce Japonia s-a aflat la capătul bombardamentului nuclear care a pus capăt celui de-al Doilea Război Mondial, un monstru necurat a ieșit din mare pentru a reaminti omenirii de iminenta sa anihilare. Cunoscut în lumea occidentală sub numele de Godzilla, originalul japonez Gojira, încarnat de Ishiro Honda, este o capodoperă de groază monstruoasă în care atrocitățile omului și ale bestiei sunt imposibil de distins. În timp ce „Godzilla” a devenit de atunci un erou de benzi desenate de ambele părți ale Pacificului, remake-urile și reboot-urile de-a lungul secolului XXI au încercat să redea nuanțele originale ale Marelui G ca un coșmar de tip Lovecraft. Unele au reușit. Dar atunci când eșuează, rămâne Gojira.
21. The Quiet Man (1952)
(Credit imagine: Republic Pictures)
Deși John Wayne a fost cel mai bine cunoscut ca erou al westernurilor de la Hollywood, regizorul John Ford oferă publicului o altă aromă a icoanei în comedia sa romantică luxuriantă The Quiet Man, bazată pe o povestire din Saturday Evening Post. Cu acțiunea plasată în mediul rural irlandez în anii 1920, John Wayne joacă rolul lui Trooper Thorn, un boxer american de origine irlandeză care caută să cumpere vechea fermă a familiei sale, când se îndrăgostește de înflăcărata localnică Mary Kate (Maureen O’Hara). Filmat în Technicolor viu, filmul lui Ford pare cu adevărat viu în instantaneele sale uluitoare din Irlanda rurală, ca să nu mai vorbim de frumosul păr roșcat al lui O’Hara, care iese în evidență pe fondul abundenței de verdeață. Deși descrierea rolurilor de gen pare extrem de învechită, nu poți să nu te bucuri de peisajele surprinse de Ford.
20. Rebel Without a Cause (1955)
(Credit imagine: Warner Bros.)
Probabil că este filmul definitiv al lui James Dean, nemuritorul hoț de inimă strălucește în drama uimitoare a lui Nicholas Ray despre maturitate, care dezvăluie urâțenia care clocotește în adolescenții americani de după război. Cu acțiunea plasată în Los Angeles-ul contemporan, Dean joacă rolul lui Jim Stark, un adolescent cu probleme, prins între doi părinți certăreți. El începe o poveste de dragoste șubredă cu o altă fată din liceul său, Judy (Natalie Wood), care este și ea tulburată de problemele de acasă și care frecventează un grup dur. James Dean a murit într-un accident de mașină în septembrie 1955, la vârsta de 24 de ani; Rebel Without a Cause a fost lansat postum la doar câteva săptămâni după moartea sa. Dar impactul irevocabil al filmului a cimentat statutul lui Dean pentru posteritate, asigurându-se că fiecare generație poate vedea o parte din ea însăși în ochii simpatici ai lui James Dean.
19. Noaptea și orașul (Night and the City) (1950)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
Temându-se de propria sa listă neagră pe fondul maccarthismului, cineastul Jules Dassin a fugit la Londra și a realizat un film impregnat de suspiciune, disperare și neîncredere. În „Noapte și oraș”, Richard Widmark îl interpretează pe Harry Fabian, un escroc american autodistructiv care intră în acțiunea circuitului de wrestling profesionist din Londra. Deși este adesea trecut cu vederea în comparație cu alți clasici ai filmului noir, Night and the City lovește ca un body slam ca un thriller mizerabil care întruchipează pulp fiction-ul britanic, aleile sale din spate și camerele de baruri fiind pline de personaje amorale a căror singură loialitate este față de ele însele. Deși există două versiuni diferite ale filmului, cu finaluri contrastante – una pentru publicul britanic, alta pentru americani – Dassin insistă că versiunea americană cinică este mai aproape de viziunea sa.
18. Tokyo Story (1953)
(Credit imagine: Shochiku)
Akira Kurosawa a apărut în anii 1950 ca unul dintre cei mai celebri autori japonezi. Dar printre cei mai mari contemporani ai săi s-a numărat și Yasujiro Ozu, al cărui stil modernist și minimalist contrastează puternic cu opera de amploare a lui Kurosawa. În 1953, Ozu a regizat ceea ce este considerat una dintre capodoperele sale: Tokyo Story, despre un cuplu de pensionari care călătorește la Tokyo pentru a-și vizita cei patru copii adulți în viață. Filmul lui Ozu, care menține un ritm lent și o cameră de filmat care aproape că nu se mișcă niciodată, explorează influența imediată a lumii occidentale asupra Japoniei în anii de după cel de-al Doilea Război Mondial și înstrăinarea universală a părinților de urmașii lor în creștere. Deși nu este o comedie, simțul său blând al umorului dezvăluie frumusețea strălucitoare care se găsește în viața de zi cu zi a clasei de mijloc inferioare.
17. Horror of Dracula (1958)
(Credit imagine: Universal)
La câțiva ani după ce monștrii de la Universal s-au retras în umbră, studioul britanic Hammer a inaugurat propria eră, începând cu Dracula (cunoscut în SUA ca Horror of Dracula) cu Sir Christopher Lee în rolul vampirului iconic. Spre deosebire de interpretarea iconică, dar caricaturală a lui Bela Lugosi în rolul contelui transilvănean, Lee întruchipează o iterație mai chipeșă care scoate în evidență erotismul inerent vampirilor și înclinația lor spre mușcarea gâtului și scurgerea de sânge. (Apropo, versiunea lui Lee a introdus, de asemenea, dinții cu două colți, pe care Lugosi nu îi avea în filmul său din 1931). Lee l-a jucat pe Dracula în multe alte filme după aceea, dar debutul său din 1958 încă domnește suprem.
16. De aici până la eternitate (1953)
(Credit imagine: Columbia)
În epopeea romantică și sumbră a lui Fred Zinnemann din 1953, soldații americani staționați în Hawaii își întâlnesc soarta în zilele premergătoare atacurilor de la Pearl Harbour. În timp ce distribuția sa plină de vedete îi include pe Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr și Donna Reed, Montgomery Clift este cel care pune ancora filmului în rolul soldatului Robert E. Lee „Prew” Prewitt, un soldat devotat și un talentat jucător de goarnă care refuză să dea curs dorințelor căpitanului său de a-i obține campionate de box. Toți cei prezenți, toate icoanele de pe ultima porțiune a Epocii de Aur de la Hollywood, sunt în formă maximă în rolurile unor oameni condamnați în marș spre momentul în care viețile lor se schimbă pentru totdeauna. Montgomery Clift a fost renumit pentru faptul că a fost refractar la interpretarea multor roluri, dar From Here to Eternity se numără cu ușurință printre cele mai bune roluri ale sale.
15. Throne of Blood (1957)
(Credit imagine: Toho)
În captivanta repovestire a lui Akira Kurosawa a lui Macbeth al lui Shakespeare, îl are ca protagonist pe inepuizabilul Toshiro Mifune, în rolul unui samurai analog lui Macbeth care află de la un spirit malefic din pădure viitorul său iminent ca lord al castelului. O fuziune culturală a motivelor shakespeariene cu scenografia teatrului japonez Noh, Tronul de sânge este fermecător ca un coșmar plin de ceață, în care puterea vine ușor, dar puterea de a o păstra are un preț mare. În parte thriller politic, în parte horror-fantastic, Tronul de sânge este un spectacol cu totul înspăimântător care își câștigă nemurirea într-o grindină de săgeți.
14. 12 Angry Men (1954)
(Credit imagine: United Artists)
Practic, fiecare generație are versiunea sa de 12 Angry Men. Dar în 1957, regizorul Sidney Lumet a adus pe ecran o producție de neuitat, cu o distribuție care îi includea pe Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman, Henry Fonda și mulți alții. Bazat pe piesa de teatru din 1954 a lui Reginald Rose, 12 Angry Men fierbe în dezacordurile dintre un juriu care deliberează febril în legătură cu condamnarea sau achitarea unui adolescent acuzat de crimă. Practic, toate dramele din sălile de judecată de după aceea și-au luat exemplul de la 12 Angry Men, care își conține toată drama într-o singură cameră a juriului, dar nu se simte nici măcar o dată limitat.
13. Ben-Hur (1959)
(Credit imagine: MGM)
Cele zece porunci nu a fost singurul blockbuster religios al anilor 1950. În 1959, Charlton Heston a jucat în rolul principal al epopeii premiate a lui William Wyler, de o amploare incomensurabilă. În spatele scenei au lucrat literalmente sute de artizani, printre care 100 de confecționeri de garderobă, 200 de artiști, 10.000 de figuranți, plus aproximativ 200 de cămile și 2.500 de cai, cu toții necesari pentru a împinge la limită noul format widescreen de atunci. Dar acolo unde Ben-Hur reușește în mod inexplicabil este modul în care spune în continuare povestea concentrată a lui Judah Ben-Hur, eroul romanului lui Lew Wallace din 1880 despre un prinț evreu care este înrobit de romani și care mai târziu îl întâlnește pe unicul Iisus Hristos. Nici măcar secvențele mega-scumpe ale francizelor de astăzi nu se apropie de măreția absolută a lui Ben-Hur.
12. Un tramvai numit dorință (A Streetcar Named Desire) (1951)
(Credit de imagine: Warner Bros.)
Bazată pe piesa lui Tennesee Williams, câștigătoare a premiului Pulitzer, care dramatizează relațiile toxice, adaptarea lui Elia Kazan îi are în rolurile principale pe Vivien Leigh, Kim Hunter și, bineînțeles, Marlon Brando. Bellele sudiste Blanche (Vivian Leigh) călătorește din Mississippi pentru a locui cu sora ei într-un apartament dărăpănat din New Orleans. Deși ajută faptul că materialul pe care se bazează este la rândul său un clasic venerat în care cei mai buni actori își pot înfige dinții, versiunea cinematografică a lui Kazan este o adevărată forță prin modul în care îi surprinde pe unii dintre cei mai mari actori pe care i-a văzut Hollywood-ul vreodată în cea mai bună formă.
11. Paths of Glory (1957)
(Credit imagine: United Artists)
În conversația despre Stanley Kubrick, filmul său de război din 1957 Paths to Glory este adesea trecut cu vederea; celelalte capodopere ale sale, precum 2001: Odiseea spațială, Portocala mecanică, The Shining, Full Metal Jacket și Eyes Wide Shut, domină de obicei atenția oamenilor. Dar Kubrick și-a expus abilitățile neobișnuite, dar incisive, de maestru vizual în cel de-al patrulea film al său. Amplasat în Primul Război Mondial în Franța, Paths of Glory îl are în rolul lui Kirk Douglas ca ofițer comandant care refuză să avanseze în ceea ce este în esență un atac sinucigaș și care ulterior contestă acuzațiile de lașitate care i se aduc în fața curții marțiale. Kubrick avea doar 29 de ani când a regizat Paths of Glory, iar zvonul din jurul regiei sale impecabile l-a urmărit ani de zile, chiar și după moartea sa, în 1999.
10. Hiroshima mon amour (1959)
(Credit imagine: Rialto Pictures)
Dacă un vis erotic ar putea fi un film, acesta ar arăta ca Hiroshima mon amour. În această coproducție între Franța și Japonia, regizorul Alain Resnais aruncă brusc publicul în intimitatea unui bărbat japonez (Eiji Okada) și a unei franțuzoaice (Emmanuelle Riva), cu trupurile lor acoperite atât de sudoare, cât și de cenușă. Filmul se desfășoară în mod neliniar, povestind despre scurta idilă a acestor doi străini în Japonia postbelică, proaspăt bântuită de devastarea nucleară. Această poveste de dragoste imposibilă și această meditație asupra traumelor internaționale au contribuit la catapultarea Noului Val francez către publicul mondial.
9. Războiul lumilor (War of the Worlds) (1953)
(Credit imagine: Paramount)
Bazată pe romanul lui H.G. Wells din 1898, versiunea cinematografică din 1953 a lui Byron Haskin vede sudul Californiei contemporane ca frontieră pentru o invazie a forțelor marțiene. Cu legendara transmisiune radiofonică a lui Orson Welles încă prezentă în mintea publicului la lansare, Războiul lumilor profită de cinematografie ca mediu vizual prin contrastul remarcabil dintre artileria primitivă a armatei americane și tehnologia elegantă, de altă lume, de pe Marte. Inovatoare ca festin al efectelor speciale, dar nemuritoare ca o poveste sfâșietoare care avertizează că oamenii nu pot fi niciodată prea siguri că sunt cea mai inteligentă specie.
8. High Noon (1952)
(Credit imagine: United Artists)
Regizat de Fred Zinneman, clasicul western High Noon se desfășoară în timp real, urmărind un șerif de oraș (Gary Cooper) prins între a înfrunta singur o bandă de pungași sau a scăpa cu soția sa (Grace Kelly). Cu puternica sa distilare a eroismului westernului redus la un singur om împotriva unei hoarde malefice, High Noon a contribuit la reimaginarea și revitalizarea westernurilor pentru anii următori. Nu ar trebui să surprindă pe nimeni faptul că mai mulți președinți ai SUA și-au exprimat admirația pentru High Noon, inclusiv Dwight Eisenhower, Ronald Reagan și Bill Clinton.
7. On the Waterfront (1954)
(Credit imagine: Columbia)
Inspirat de o serie de articole premiate cu Pulitzer scrise de Malcolm Johnson pentru New York Sun, On the Waterfront îi reunește pe regizoarea Eliza Kazan cu Marlon Brando într-o dramă aprigă despre crimă și corupție pe malul apei din Hoboken, New Jersey. Brando îl interpretează pe Terry Malloy, un fost boxer care a organizat intenționat o luptă la cererea unui șef al mafiei. Lucrând acum ca hamal, Terry este îngrozit când este forțat să tacă după ce asistă la uciderea unui coleg de la docuri. On the Waterfront este unul dintre multele filme de la începutul anilor ’50 care și-au folosit povestea pentru a condamna macartismul, dar povestea sa rezonează dincolo de acele vremuri ca un portret al neputinței în fața unor șanse copleșitoare.
6. Seven Samurai (1954)
(Credit imagine: Toho)
Clasicul epic al lui Akira Kurosawa despre samuraii care se unesc pentru a apăra un sat vulnerabil, pe gratis, inspiră și emoționează chiar și după atâția ani. Cu o distribuție de ansamblu condusă de Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi și Toshiro Mifune, povestea lui Kurosawa a dat naștere unui subgen propriu de bărbați scandalagii care se unesc pentru o cauză nobilă decât pentru scopuri egoiste. Nu numai că au existat remake-uri directe, cum ar fi The Magnificent Seven din 1960 (care a reimaginat filmul ca pe un western de cowboy), dar și omagii spirituale în filme precum The Dirty Dozen, Saving Private Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League și în toată franciza Star Wars.
5. North by Northwest (1959)
(Credit imagine: MGM)
Alfred Hitchcock a încheiat anii ’50 cu thrillerul său de spionaj North by Northwest, un film gigant de durată. Cu Cary Grant și Eva Marie Saint în rolurile principale, filmul urmărește un om nevinovat (Cary Grant) care fuge pentru a-și salva viața prin Statele Unite de agenți misterioși care cred că face contrabandă cu secrete guvernamentale. În 1959, Hitchcock era deja un artist celebru, dar cu „North by Northwest” și-a consolidat în mod ferm strălucirea într-un film care a fost în același timp plin de suspans și de joc.
4. Fereastra din spate (Rear Window) (1954)
(Credit imagine: Paramount)
În acest captivant mister urban, un fotograf care se vindecă după un picior rupt (James Stewart) suspectează că vecinul său de peste drum ar fi putut ucide pe cineva. Cu ajutorul iubitei sale mondene neliniștite (Grace Kelly) și a asistentei sale (Thelma Ritter), personajul lui Stewart, Jeff, caută să facă dreptate fără să-și piardă mințile. Chiar și în vremurile moderne, când feed-urile noastre de socializare folosesc din plin filmarea POV, iar camerele smartphone-urilor ne-au transformat pe toți în fotografi amatori, filmul lui Hitchcock arată puterea dramatică într-o perspectivă limitată.
3. Umberto D. (1952)
(Credit imagine: Rialto Pictures)
În acest clasic neorealist al cineastului italian Vittorio De Sica, un bătrân sărac din Roma face tot ce poate pentru a supraviețui cu ajutorul câinelui său. Filmul a fost nepopular în rândul publicului italian la momentul lansării, având în vedere că Italia în ansamblu se afla în plin proces de redresare postbelică, iar un om fragil care cerșea pe străzi nu era deloc măgulitor pentru imaginea sa. Dar publicul de pretutindeni a ajuns să îl admire pe Umberto D. ca pe o poveste sfâșietoare în care bunătatea a fost erodată de modernitate. Un clasic rece ca piatra al cinematografiei mondiale, Umberto D. are foarte puțin de oferit, dar atât de mult de oferit.
2. Sărută-mă de moarte (1955)
(Credit imagine: United Artists)
Pentru ca nimeni să nu creadă că anii ’50 au fost închegați, bine crescuți și plini de valori sănătoase, priviți întunericul din Kiss Me Deadly. Adaptarea cinematografică a lui Robert Aldrich a romanului lui Mickey Sillane vorbește despre un detectiv, Mike Hammer (Ralph Meeker), care ia o femeie care face autostopul (Maxine Cooper), dând startul unei nopți îngrozitoare și de neuitat. Apreciat ca un precursor al Noului Val francez și înțeles ca o metaforă a Războiului Rece, Kiss Me Deadly i-a influențat pe cei mai respectați giganți ai cinematografiei, printre care Francois Truffaut, Jean-Luc Godard și Quentin Tarantino. Este pur și simplu o operă impunătoare.
1. Vertigo
(Credit imagine: Paramount)
Thrillerul psihologic Vertigo al lui Alfred Hitchock, lansat în 1958, este plasat în mod regulat pe numeroase liste de best-of; în 2012, a detronat celebrul Citizen Kane de pe râvnitul loc întâi în The Sight & Sound Greatest Films of All Time. Este salutat ca atare pe bună dreptate. James Stewart joacă rolul lui John „Scottie” Ferguson, un detectiv pensionat care a renunțat la insignă după ce s-a îmbolnăvit de acrofobie – frica de înălțime. Dar când Scottie este angajat de o cunoștință pentru a o urmări pe soția lor, Madeleine (Kim Novak), Scottie trebuie să-și înfrunte temerile. Preocupat de obsesia psihologică, Vertigo împarte la limită diferența dintre divertismentul tumultuos și stilul arthouse cerebral, uneori estompându-le pe cele două în moduri în care numai Alfred Hitchcock a știut vreodată să o facă. Chiar dacă nu credeți că este „cel mai mare film al tuturor timpurilor”, este, fără îndoială, unul dintre cele mai bune din deceniul său.