Indiferent cum credeți că au fost sau cum arătau anii ’60, mai gândiți-vă o dată. Deceniul tumultuos este multifațetat în tot felul de moduri, inclusiv în filme. Dar care sunt de fapt cele mai bune filme din anii ’60?
Într-un deceniu caracterizat de schimbarea normelor sociale, ca să nu mai vorbim de mișcarea pentru drepturile civile și de impasul politic care a fost Vietnamul, filmele din anii 1960 au reflectat în mod similar o comunitate globală în schimbare. Importurile străine avangardiste din Japonia, Italia, Franța și din alte țări au distras atenția de la stilurile americane verificate și verificate. În tot acest timp, cineaștii și-au văzut meseria sfidată de o nouă alternativă de divertisment mai ieftină: televiziunea. Cu toate acestea, în loc să ofere un nivel de spectacol mai ridicat decât bugetele minuscule ale televiziunii, filmele deceniului au căutat să provoace publicul cu povești mai subversive, care au redesenat limitele acceptabilității.
La fel ca și anii 1950, anii 1960 au prevăzut ambiguitățile morale ale viitorului apropiat. Pe măsură ce parohialul Cod Hays își pierdea din strânsoarea menghinei, explozia bruscă a Noului Hollywood – deja prevestită de Noul Val francez – a oferit cineaștilor o mai mare creativitate, permițându-le să reflecte în filmele lor o contracultură hip care se răspândea în orașe, comune și campusuri universitare de pretutindeni.
Cu atât de multe filme clasice de numit, iată doar 32 dintre cele mai bune filme ale anilor 1960.
32. Batman (1966)
(Credit imagine: Warner Bros.)
Sfântă cinematografie, Batman! Gândit inițial de producătorul William Dozier doar pentru a promova serialul TV, filmul Batman din 1966 (regizat de Leslie H. Martinson) reprezintă acum arta taberei în toată gloria sa extravagantă. Cu Adam West în rolul care l-a făcut celebru, Crucișătorul cu pelerină se luptă cu cei mai răi răufăcători din Gotham City, care s-au aliat sub numele de Lumea interlopă unită. Deși nu este nici pe departe cel mai bun film cu supereroi realizat vreodată, însumarea faimoasei serii de televiziune – toate mărite pentru marele ecran – face din Batman unul dintre cele mai colorate, mai scandaloase și, într-adevăr, cele mai amuzante filme comerciale dintr-un deceniu plin de provocări. Cu adevărat, sunt unele zile în care nu poți scăpa de o bombă.
31. Barbarella (1968)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Un film cult de cea mai înaltă clasă, Jane Fonda joacă într-o bijuterie SF de categoria B al cărei farmec este faptul că, ei bine, o are pe Jane Fonda fiind o bunăciune totală în spațiu. (Iar Barbarella este atât de autentic vizionabilă datorită zelului lui Fonda de a se juca pentru orice). Bazat pe o serie de benzi desenate franțuzești, filmul o urmărește pe Barbarella (Fonda), o călătoare spațială trimisă să găsească un om de știință cu o armă capabilă să distrugă omenirea. După ce vedete precum Brigitte Bardot și Sophia Loren au refuzat rolul, Fonda a ezitat din cauza caracterului său sexualizat; la acea vreme, Fonda se afla în centrul a două scandaluri de nuditate care implicau filmele Circle of Love și The Game Is Over. Dar Fonda a fost convinsă atunci când regizorul Roger Vadim i-a spus că SF-ul va deveni în curând un gen prestigios. Cu Războiul Stelelor la nouă ani distanță, Vadim avea cam multă dreptate, chiar dacă Barbarella nu mai este o franciză la fel de mare astăzi.
30. The Umbrellas of Cherbourg (1964)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
În muzicalul romantic de neuitat al lui Jacques Demy, un tânăr cuplu francez este dornic să înceapă „pentru totdeauna” până când sunt despărțiți de războiul algerian. Când se reunesc în mod inevitabil, temperaturile friguroase dezvăluie o pasiune odinioară încinsă, devenită rece. Catherine Deneuve și Nino Castelnuovo joacă împreună ca o pereche încântătoare pe ecran, care reprezintă emoția universală de a fi tânăr și îndrăgostit, tragedia de a găsi dragostea prea devreme și acceptarea cu amărăciune a faptului că viața nu va merge întotdeauna așa cum ți-ai propus. Dintre filmele care alcătuiesc trilogia romantică a lui Demy – inclusiv Lola (1961) și The Young Girls of Rochefort (1967) – The Umbrellas of Cherbourg se ridică cel mai sus ca film cel mai adevărat pentru efemeritatea dulce-amară a dragostei tinere.
29. Onibaba (1964)
(Credit imagine: Toho)
Este un film atât de înfricoșător încât l-a speriat până și pe William Friedkin, regizorul filmului The Exorcist. O repovestire a unei parabole budiste care implică o mască blestemată care îi pedepsește pe cei care o poartă, Onibaba urmărește două femei care ademenesc samuraii rătăcitori pentru a-i ucide și a le vinde armamentul pentru bani. Când un bărbat se interpune între ele, sentimente străvechi precum invidia și furia se învârt ca vânturile unei furtuni întunecate și profane. Un tablou macabru cu o energie eldritch supremă, această metaforă elaborată pentru traumele reziduale ale Japoniei în urma bombelor atomice capătă o semnificație suplimentară atunci când știi că scenaristul/regizorul Kaneto Shindō a fost din Hiroshima. Onibaba a fost unul dintre numeroasele filme ale lui Shindō care se luptă cu ororile anihilării nucleare și cu realitatea sa personală, aceea de a-și vedea casa distrusă și supraviețuitorii ei rămași cu răni iremediabile.
28. Easy Rider (1969)
(Credit imagine: Columbia Pictures)
Noul val american a început din plin cu Easy Rider, un western modern dacă a existat vreodată unul. Regizat de Dennis Hopper și scris de Hopper împreună cu Peter Fonda și Terry Southern, Easy Rider urmărește doi motocicliști (interpretați de Hopper și Fonda) care pleacă din sudul Americii și se aventurează spre vest cu banii câștigați dintr-o afacere profitabilă cu cocaină. O epopee epică de referință a contraculturii, Easy Rider a modelat de unul singur vocabularul nostru colectiv privind drumul deschis ca ultima frontieră a aventurii și singurul loc rămas pe Pământ în care se poate găsi un sentiment de identitate și libertate.
27. The Apartment (1960)
(Credit imagine: United Artists)
Dacă pereții ar putea vorbi. În comedia romantică The Apartment (1960) a lui Billy Wilder, Jack Lemmon joacă rolul unui ambițios angajat din domeniul asigurărilor care, în speranța de a se ridica la locul de muncă, le permite colegilor săi mai în vârstă să folosească apartamentul său din Upper West Side pentru aventurile lor extraconjugale. Lucrurile se complică atunci când Bud al lui Lemmon se îndrăgostește de Fran (Shirley MacLaine), care are o aventură cu propriul șef al lui Bud. Inspirat vag din filmul britanic Brief Encounter din 1945 și dintr-un scandal real de la Hollywood care implică o aventură a unui producător care s-a petrecut în apartamentul angajatului său, The Apartment este o comedie încântătoare despre cum să nu fii niciodată prea aproape de acțiune.
26. To Kill a Mockingbird (1962)
(Credit imagine: Universal Pictures)
Romanul de referință al lui Harper Lee din 1960, despre o avocată cu principii care apără un bărbat de culoare nevinovat, acuzat de agresiune sexuală, a fost adaptat magistral pentru ecran doi ani mai târziu de către regizorul Robert Mulligan. Cu Gregory Peck în rolul lui Atticus Finch și Mary Badham în rolul tinerei sale fiice, Scout – a cărei perspectivă oferă punctul de vedere principal al poveștii – versiunea cinematografică a lui Mulligan a fost aclamată ca fiind un clasic american de sine stătător, fiind un studiu tandru și emoționant despre maturizarea într-un mediu plin de prejudecăți. Prin intermediul monologului de neuitat al lui Finch în apărare (cu camera lui Mulligan adoptând cu înțelepciune perspectiva juriului), „To Kill a Mockingbird” a oferit unor generații nenumărate o lecție despre cum să lupți pentru ceea ce este corect, chiar și atunci când justiția este insuficientă.
25. Noaptea morților vii (Night of the Living Dead) (1968)
(Credit imagine: Criterion)
Înainte de The Walking Dead, a existat Night of the Living Dead al lui George Romero, care nu numai că a introdus zombii în lexicul culturii pop americane, dar a făcut, fără îndoială, cel mai bine acest gen. Cu acțiunea plasată în zona rurală din Pennsylvania, șapte supraviețuitori se refugiază într-o fermă în timp ce hoarde de cadavre carnivore au prins brusc viață peste tot. Nu numai că Night of the Living Dead a scris manualul pentru toate poveștile de groază cu zombi, dar distribuirea actorului de culoare Duane Jones (în rolul principal Ben) a fost atât revoluționară, cât și politică, transformând pentru totdeauna zombii într-o metaforă dinamică și fluidă pentru ceea ce omul consideră monstruos în finalul său sfâșietor.
24. Planeta maimuțelor (Planet of the Apes) (1968)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
Bazată vag pe romanul lui Pierre Boulle din 1963, versiunea cinematografică a lui Franklin J. Schaffner, Planeta maimuțelor, îl are ca protagonist pe Charlton Heston în rolul unui astronaut care aterizează pe o planetă ciudată, unde omenirea este primitivă, iar maimuțele vorbitoare și-au asumat dominația ca fiind cea mai inteligentă specie. În timp ce „Planeta maimuțelor” a dat naștere unei francize, filmul original al lui Schaffner este o piesă impresionantă de science-fiction, atât spectaculoasă din punct de vedere tehnic, cât și premonitorie din punct de vedere spiritual. După atâția ani, „Planeta maimuțelor” încă lovește puternic, fiind un avertisment puternic împotriva arogantei considerații a omenirii față de locul său în lanțul trofic.
23. The Manchurian Candidate (1962)
(Credit imagine: United Artists)
Bazat pe romanul lui Richard Condon, acest thriller psihologic întunecat al lui John Frankenheimer este unul dintre filmele definitorii ale Războiului Rece, care a profitat de paranoia predominantă a epocii cu privire la inamicii care pândeau din interior. Lansat cu doar un an înainte de asasinarea lui JFK, filmul urmărește un veteran al Războiului din Coreea, Raymond Shaw (Laurence Harvey), căruia comuniștii îi spală creierul fără să știe și este trimis înapoi în Statele Unite pentru a ucide un candidat la președinție. Cu Frank Sinatra, Janet Leigh și Angela Lansbury în rolurile principale, acest thriller de spionaj, cu o abundență de politicianism și conspirații, a stabilit permanent ștacheta pentru toate thrillerele de spionaj ulterioare. Inovațiile sale în acest gen sunt încă vizibile în filme moderne asemănătoare, de la The Bourne Identity la Captain America: The Winter Soldier. Un remake modern la fel de formidabil a fost lansat în 2004, avându-i ca protagoniști pe Denzel Washington, Liev Schrieber și Meryl Streep.
22. Desculț în parc (1967)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Jane Fonda și Robert Redford nu au fost niciodată mai amuzanți sau mai sexy decât în rolul unui cuplu proaspăt căsătorit care coboară din fericirea lunii de miere pentru a se confrunta cu simțul umorului realității. După ce se mută într-un apartament cu cinci etaje din Manhattan, Corie (o Fonda delirantă), care are un spirit liber, și Paul (Redford, care se mândrește cu un comic ascuțit), ceva mai încordat, află ce înseamnă de fapt să ai și să ții când primele lor luni împreună nu sunt ceea ce își imaginau niciunul dintre ei. Deși intriga este ușoară ca o pană, filmul – bazat pe piesa lui Neil Simon și regizat de Gene Saks – rezistă datorită carismei radiante a frumoasei sale distribuții.
21. Mary Poppins (1964)
(Credit imagine: Disney)
Unul dintre cele mai mari succese ale Disney a apărut în anii 1960, cu Julie Andrews și Dick Van Dyke dansând și cântând despre virtuțile unei vieți de familie mai angajate. În Londra edwardiană, o femeie magică zboară din ceruri pentru a răspunde apelului copiilor Banks pentru „dădaca perfectă”. Ea este Mary Poppins (Andrews), o entitate extrem de misterioasă, care este deopotrivă blândă și fermă și exact lingura de zahăr de care familia Banks are nevoie pentru a fi din nou întreagă. Uluitor din punct de vedere tehnic și sănătos în suflet, Mary Poppins rămâne unul dintre cele mai emblematice și de succes filme live action ale Disney din toate timpurile, și asta pe bună dreptate. Ce altceva mai este de spus decât „Supercalifragilisticexpialidocious!”.
20. Tokyo Drifter (1966)
(Credit imagine: Nikkatsu)
Omagiul lui Seijun Suzuki adus westernurilor cu pistolari vine sub forma filmului său de gangsteri incredibil de elegant Tokyo Drifter, despre un asasin reformat pe nume Tetsu (Tesuya Watari) prins în mijlocul unor bande rivale care încearcă să își consolideze puterea. Suzuki, cunoscut pentru stilul său vizual excentric, a fost mai întâi forțat de studio să își atenueze sensibilitățile de pe ecran; studioul i-a oferit un buget mic pentru a se asigura că Suzuki colorează în limitele lor. Ca represalii, Suzuki s-a inspirat din filmele muzicale din anii 1950, din comedia absurdă și din scena pop art emergentă pentru a crea cel mai suprarealist film al său de până atunci. Această filozofie a rebeliunii ca declarație se infiltrează prin porii lui Tokyo Drifter, maximalismul său reținut conținut în cadrele sale creează o experiență în care nu poți uita cum te simți, chiar dacă nu-ți poți da seama ce se întâmplă.
19. Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
Clasicul western al lui Georgy Roy Hill, scris de William Goldman, îi are ca protagoniști pe Paul Newman și Robert Redford în rolul celor mai cool și mai de neatins haiduci ai cinematografiei în fuga lor disperată în Bolivia. Oare vor supraviețui? Răspunsul la această întrebare este mai puțin interesant decât călătoria bogată și captivantă pe care Butch Cassidy (Newman) și Harry Longabaugh, alias „Sundance Kid” (Redford) o întreprind pe tot parcursul filmului, fiind parteneri de crimă a căror legătură strânsă îi transformă în sfinții protectori ai frăției și bromance-ului. Deși nepopular la lansare, „Butch Cassidy and the Sundance Kid” și-a câștigat respectul ca film care atestă faptul că cea mai mare recompensă nu sunt bogățiile cu care fugi, ci experiențele pe care le poți aduna alături de cei care contează cel mai mult.
18. A Hard Day’s Night (1964)
(Credit imagine: United Artists)
Toate videoclipurile muzicale, documentarele cu vedete rock, filmele de concert și rolele TikTok au o datorie față de A Hard Day’s Night. Un caleidoscop de comedie și muzică, filmul lui Richard Lester, plin de tăieturi rapide și isterie cu mâna, îi surprinde pe The Beatles la apogeul Beatlemaniei. Dar, în loc să fie un documentar indulgent și plin de sine despre drama și oboseala induse de faimă, A Hard Day’s Night îi vede pe rockerii din Liverpool făcând scandal peste tot pe unde se duc – fără să se vadă nicio poveste adevărată. De la trolling-ul intervievaților cu rutine asemănătoare cu cele ale Fraților Marx până la fuga de fanii țipători care se mișcă ca niște roiuri de viespi, A Hard Day’s Night este mai puțin Taylor Swift: The Eras Tour și mai mult French New Wave, prin ingeniozitatea și ingeniozitatea sa degajată.
17. The Birds (1963)
(Credit imagine: Universal Pictures)
După Alfred Hitchcock, nu am mai văzut niciodată stoluri de păsări în același mod. În acest film de groază iconic din 1963, bazat pe o povestire din 1952 a lui Daphne du Maurier și inspirat vag de un atac ciudat de păsări în masă în orașul Capitola, California, cu doi ani mai devreme, păsări agresive îi terorizează pe locuitorii unui oraș adormit. În timp ce ciorile și porumbeii ucigași pot suna banal pe hârtie, un regizor suveran precum Hitchcock oferă un clasic horror rece ca piatra în care natura își menține dominația, indiferent de progresul științific al omenirii. Între utilizarea magistrală a tăcerii și măiestria efectelor speciale timpurii, The Birds nu va înceta niciodată să își ia zborul – și să ne facă să fugim să ne adăpostim.
16. The Graduate (1967)
(Credit imagine: Embassy Pictures)
Dramedia romantică a lui Mike Nichols, un succes timpuriu al filmelor independente, a capturat cu măiestrie spiritul neliniștit al tinerilor din anii ’60 în povestea sa despre un absolvent de facultate (Dustin Hoffman) care începe o aventură cu o femeie mai în vârstă (Anne Bancroft), în timp ce se îndrăgostește de fiica acesteia, Elaine (Katharine Ross). Realizarea finalului său de neuitat, în care cei doi porumbei își dau seama încet-încet de magnitudinea zdrobitoare a acțiunilor lor, a fost o lovitură de geniu din partea lui Nichols. Prin simplul fapt că nu le spune actorilor săi ce trebuie să facă după ce se urcă în autobuz, oboseala lor fizică reflectă ambivalența spirituală. Când atât Hoffman, cât și Ross încetează să mai zâmbească în timpul unei duble uimitor de lungi, expresiile lor obositoare dezvăluie nesiguranța personajelor lor dacă dragostea este suficient de puternică pentru a dura.
15. Cool Hand Luke (1967)
(Credit imagine: Warner Bros.)
Unul dintre multele filme americane emblematice care au reprezentat sfidarea contraculturii în timpul Războiului din Vietnam, Cool Hand Luke al regizorului Stuart Rosenberg îl are în rolul lui Paul Newman ca prizonier din Florida care refuză să se lase țintuit de lanțuri. Filmul a fost scris de Donn Pearce, al cărui trecut infracțional și cei doi ani petrecuți în lanțurile din cadrul Departamentului de Corecție din Florida i-au inspirat atât romanul, cât și filmul. Inspirat și emoționant, Cool Hand Luke este practic un videoclip instructiv despre cum să-ți păstrezi calmul și să fii mai isteț decât toți ceilalți într-un loc ostil care vrea să te vadă căzut mort.
14. The Good, the Bad and the Ugly (1966)
(Credit imagine: MGM)
Sergio Leone și-a petrecut anii 1960 definind westernurile făcute în Italia cu Trilogia Dolarilor, care urmărește exploatările nomade ale Omului fără nume (Clint Eastwood). În ultimul film după A Fistful of Dollars (1964) și For a Few Dollars More (1965), filmul lui Leone urmărește trei pistolari – interpretați de Eastwood, Eli Wallach și Lee Van Cleef – care se întrec în găsirea aurului confederat îngropat în timpul Războiului Civil American. În timp ce opiniile personale variază cu privire la care dintre cele trei filme din trilogie sunt cele mai bune, The Good, the Bad and the Ugly este pur și simplu prea epic pentru a fi ignorat și rămâne, fără îndoială, cel mai emblematic dintre toate westernurile spaghetti. Între cinematografia memorabilă și violența de operă, regizorii de filme de acțiune au petrecut decenii inspirându-se din capodopera de durată a lui Leone.
13. Rosemary’s Baby (1968)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Este o consolare rece faptul că nu vezi niciodată fața copilului. În filmul de groază psihologic al lui Roman Polanski, Mia Farrow joacă rolul unei tinere soții din Manhattan care bănuiește că ar putea fi ținta vecinilor ei pentru a da naștere la ceva necurat. Filmul lui Polanski – care îi are în distribuție și pe John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans și Charles Grodin, la debutul său cinematografic – este un thriller apăsător și ultra-întunecat despre pierderea capacității de acțiune a unei femei (extrem de ironic venind din partea lui Polanski) și despre modul în care marșul societății secolului XX spre secularism poate fi pieirea omenirii. Rosemary’s Baby a fost chiar înaintea curbei, în timp ce isteria legată de cultele satanice avea să ocupe rapid un loc predominant în titlurile ziarelor de-a lungul anilor 1970 și 1980.
12. Lawrence of Arabia (1962)
(Credit imagine: Columbia Pictures)
Poate fi viața cuiva atât de epică, încât să devină unul dintre cele mai mari filme de aventură realizate vreodată? Arheologul, ofițerul de armată și scriitorul britanic din secolul al XX-lea T. E. Lawrence a trăit, se pare, o astfel de viață care a devenit Lawrence al Arabiei al lui David Lean. Cu Peter O’Toole în rolul principal, care la acea vreme era un actor necunoscut, dar care era apreciat de Lean (din filmul său din 1960 The Day They Robbed the Bank of England), filmul îl urmărește pe Lawrence prin Imperiul Otoman în timpul Primului Război Mondial. Filmul în sine explorează dificultatea lui Lawrence de a se împăca cu violența și loialitatea sa divizată între Marea Britanie și noii săi aliați din cadrul forțelor arabe. O superproducție spectaculoasă într-o epocă în care nu se făceau prea multe, Lawrence of Arabia galopează cu ferocitate și un simț al aventurii care nu va mai fi văzut până la Raiders of the Lost Ark, aproape 20 de ani mai târziu.
11. High and Low (1963)
(Credit imagine: Toho)
Akira Kurosawa este, pe bună dreptate, renumit ca regizor de epopei veșnice cu samurai. Dar chiar și atunci când face zig-zag-uri din propriile sale zig-zag-uri, celebrul artist își păstrează toate trăsăturile sale cele mai bune, cum ar fi formalismul de tip teatral și personajele cu voință puternică care se ciocnesc de forțe opresive. Intră: High and Low, drama polițistă propulsivă și fin compusă de Kurosawa din 1963. Bazată pe romanul King’s Ransom de Ed McBain, un executiv bogat (Toshiro Mifune) află că fiul său este răpit și ținut pentru răscumpărare, ceea ce dă startul unei intrigi transpirate, care merge înainte și în care timpul este esențial. Schimbând armura de samurai cu cămăși și cravate impecabile, Kurosawa meditează asupra renașterii Japoniei postbelice. În jurul său, regizorul a văzut cum societatea japoneză evoluează rapid spre modernitate. Dar cu ce preț?
10. Din Rusia cu dragoste (1963)
(Credit imagine: United Artists)
O continuare a lui James Bond care îl spulberă din start chiar și pe predecesorul său de maximă importanță, Dr. No, regizorul Terence Young și actorul Sean Connery se reunesc pentru From Russia With Love, de data aceasta pentru a spune o poveste în care Bond ajută o frumoasă transfugă sovietică (Daniela Bianchi) să scape din ghearele SPECTRE. Cu cel mai mare spion al MI6 scufundat în tensiunile Războiului Rece, From Russia With Love își păstrează aerul rarefiat ca fiind unul dintre cele mai bune continuări Bond realizate vreodată, fiind un blockbuster curajos, sexy și incitant în același timp. Ajută și faptul că filmul este subliniat de unul dintre cele mai bune cântece Bond din toate timpurile, cântat de croonerul Matt Monro.
9. Pierrot le Fou (1965)
(Credit imagine: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard și-a petrecut anii 1960 afirmându-și locul în Noul Val francez prin filme precum Breathless (1960), Vivre sa vie (1962) și Band of Outsiders (1964). Dar forma maximă a lui Godard a venit în 1965 cu Pierrot le Fou, un road movie experimental viu și colorat despre un bărbat (Jean-Paul Belmondo) care fuge cu bona și fosta iubită a copilului său (Anna Karina) pentru a lăsa în urmă lumea lor de bougie. Un monument de artă pop care debordează de senzualitate, de romantism condamnat și de resturile unui al patrulea perete dărâmat, Pierrot le Fou nu doar că a certificat statutul de autor al lui Godard, ci l-a și placat cu aur.
8. Mic dejun la Tiffany (1961)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Audrey Hepburn nu doar că și-a consolidat celebritatea cu Breakfast at Tiffany’s al regizorului Blake Edwards, ci și-a garantat nemurirea. În această comedie romantică gigantică, Hepburn o interpretează pe Holly Golightly, o socialistă excentrică care se îndrăgostește de un scriitor în dificultate (George Peppard). Lăsând la o parte portretizarea rasistă a unui vecin japonez de către Mickey Rooney, Breakfast at Tiffany’s este efervescent și șic, un film care ia dragostea din inima ta și o îmbracă la modă. Aspectul lui Hepburn în rolul lui Holly rămâne omniprezent ca simbol al frumuseții atemporale, și este greu de argumentat de ce. O singură privire a ei în obiectivul camerei de filmat a lui Edwards și noi toți suntem cu capul pe tocuri scumpe.
7. La Dolce Vita (1960)
(Credit imagine: Columbia Pictures)
Numele lui Frederico Fellini este sinonim cu cinematografia italiană de calitate, iar La Dolce Vita rămâne unul dintre cele mai longevive succese ale sale. Filmul urmărește un ziarist celebru (interpretat de un Marcello Mastroianni ultra cool, care emană siguranță în fiecare cadru) care își petrece o săptămână febrilă zburdând prin Roma – un oraș antic invadat de strălucire și farmec – în căutarea a ceva pur. Cu o structură unică a intrigii și un umor mușcător, La Dolce Vita se bucură de decadența unei civilizații postbelice prospere, prevestind în același timp otrăvirea societății de către toxicitatea faimei.
6. The Wild Bunch (1969)
(Credit imagine: Warner Bros.)
Sam Peckinpah a dat Western-ului ultimul răgaz cu The Wild Bunch, un film despre haiduci îmbătrâniți care se străduiesc să se adapteze la modernizarea secolului XX și care se sting în plină glorie. Deși westernurile nu au dispărut complet, în anii 1960 genul a căzut mult în dizgrație și de atunci nu și-a mai recăpătat niciodată popularitatea. Acest lucru nu face decât să facă ca bombardamentul de bubuituri de praf de pușcă și ricoșeuri de gloanțe care subliniază finalul exploziv al lui Peckinpah în Agua Verde să pară un foc de artificii care comemorează nenumărații eroi cu pălărie albă și pungași cu pălărie neagră care au împodobit marele ecran de la începuturile Hollywood-ului. După The Wild Bunch, filmele western au plecat spre apus și nu s-au mai uitat înapoi.
5. 8 ½ (1963)
(Credit imagine: Columbia Pictures)
Cineastul italian Frederico Fellini și-a întors faimosul aparat de filmat asupra sa, oarecum, în filmul său despre luptele de a-și menține paternitatea și individualitatea într-un domeniu supus examinării publice. În cel de-al optulea film al lui Fellini (de unde și titlul), actorul Marcello Mastroianni joacă rolul lui Guido Anselmi, un regizor care încearcă cu disperare să își mențină identitatea prin procesul riguros și autoeroziv de a conduce un film SF cu buget mare. În tot acest timp, Guido se gândește la diferitele femei din viața lui. O meta-comedie neagră suprarealistă care estompează liniile care delimitează kayfabe, 8 ½ este considerat pe bună dreptate unul dintre cele mai mari filme despre realizarea de filme realizate vreodată.
4. West Side Story (1961)
(Credit imagine: United Artists)
Cum rezolvi o problemă precum Maria? În acest Romeo modernizat & Julieta modernizat, amplasat în bandele de stradă rasiale din New York City, Natalie Wood și Richard Beymer joacă rolul de iubiți încrucișați care se îndrăgostesc în timp ce se află în părți opuse ale unui război de cartier. O poveste de dragoste muzicală, versiunea originală din 1961 – regizată de Robert Wise și Jerome Robbins – tratează cu îndrăzneală ecranul ca pe o scenă, cu o coregrafie complexă, palete de culori vii și mișcări dinamice ale camerei de filmat care i-au influențat pe Michael Bay (care a lăudat filmul într-un interviu din 2001 pentru New York Times) și pe Steven Spielberg, care și-a regizat propriul remake în 2021. Când te uiți la West Side Story, devii fan pe viață, de la prima țigară până la ultima zi de moarte.
3. Ochi fără chip (1960)
(Credit imagine: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Deși filmul horror Seminal din 1960 al lui Georges Franju, Ochi fără chip, a precedat majoritatea filmelor slasher, povestea sa sfâșietoare și violența sa vicioasă au stabilit standardele susținute mai târziu de maeștrii genului, precum John Carpenter și Wes Craven. Chiar și așa, Ochi fără chip nu seamănă cu niciun alt film de groază pe care l-ați mai văzut, fiind pe cât de poetic, pe atât de macabru. Filmul urmărește un renumit chirurg plastician (interpretat de Pierre Brasseur) care prinde în capcană tinere femei frumoase pentru a le sculpta carnea și a repara desfigurarea tragică a fiicei sale. Édith Scob joacă, de asemenea, rolul fiicei doctorului, care îmbracă o mască albă fantomatică ce pare a fi un augur pentru viitoarele icoane precum Michael Myers și Jason Voorhees. Aici, superbul și groaznicul devin colegi de celulă improbabili.
2. 2001: Odiseea spațială (2001: A Space Odyssey) (1968)
(Credit imagine: MGM)
Niciun film nu definește anii ’60 și totuși se simte în afara timpului ca 2001: Odiseea spațială a lui Stanley Kubrick. Urmând două mega-clasice, Lolita (1962) și Dr. Strangelove (1964), Kubrick a privit în stele cu o maiestuoasă epopee science-fiction care adaptează nuvela „Sentinela” a lui Arthur C. Clarke. Domeniul de aplicare al filmului 2001 este enorm, fiind un film care se întinde pe parcursul a eoni literali, de la originile de primate ale omenirii până la, ceea ce Kubrick prezice, sofisticarea noastră ca specie care călătorește în spațiu. Dar, indiferent cât de departe ne duce progresul, omul este în continuare supus unei violențe inexplicabile. Astfel, în timpul călătoriei Discovery One spre Jupiter, inteligența artificială HAL 9000 are câteva idei proprii despre supraviețuire, mai mult decât le-ar plăcea stăpânilor săi de carne. Frumos compus și amenințător într-un sens extraterestru, 2001: Odiseea spațială a făcut ca cinematograful să facă un salt înainte cu doar o atingere de monolit negru.
2001: O odisee spațială£7,99 la Amazon£8,19 la Hit£9,69 la Hive Books
1. Psycho (1960)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Cu frumoasa Janet Leigh, o sticlă de sirop de ciocolată Hershey’s și o piesă pulsantă cu toate corzile de Bernard Herrmann, Alfred Hitchcock a făurit o capodoperă cinematografică care a privit adânc în psihicul nostru și a scos la iveală ceea ce ne îngrozea pe toți. Supraîncărcat de piste roșii, ironie neagră comică și simbolism dens care ar putea umple o prelegere de psihanaliză freudiană, cel mai ușor de recunoscut film al lui Hitchcock rezistă ca un gigant impunător care a redefinit acceptabilitatea cinematografiei comerciale pentru gust și a inovat convențiile filmului de groază modern. Bazată pe cartea omonimă a lui Robert Bloch, povestea se petrece în principal în sinistrul Motel Bates, supravegheat de excentricul său proprietar Norman Bates (Anthony Perkins), care ascunde un secret întunecat. În timp ce Psycho a generat, în mod normal, o franciză care include popularul serial TV Bates Motel, Psycho se impune puternic de unul singur ca un film care a schimbat totul.