În primul deceniu total liber de restricții parohiale de conținut, dar chinuit de coșmarurile războiului din Vietnam, filmele s-au schimbat pentru totdeauna în anii ’70. Dar care dintre ele sunt, de fapt, cele mai bune?
După ce regizorii străini au făcut legea în anii 1960, o nouă mișcare a „Noului Hollywood” era în plină desfășurare, regizorii autohtoni exercitând un control creativ asupra operei lor mai mare decât înainte. În același timp, lumea, și mai ales America, avea un sentiment sumbru, dacă ar fi să judecăm prin intermediul știrilor comunicate prin prezența tot mai mare a televiziunii. Pe fondul scandalurilor politice, al administrațiilor corupte, al creșterii criminalității și al cinismului tot mai accentuat, filmele reflectau o stare de spirit la fel de melancolică și/sau nihilistă. Nici măcar miracolul aselenizării din 1969 nu a reușit să inspire o uimire durabilă față de stele, deoarece regizorii au transformat spațiul într-un loc foarte înfricoșător.
Eroi sportivi, spirite malefice, vizitatori extratereștri, călugări Shaolin, justițiari, rechini ucigași și multe altele definesc un deceniu complicat, care încă se resimte după păcatele Vietnamului și după reapariția tensiunilor din timpul Războiului Rece. Dar ce filme au distrat publicul în aceste vremuri tulburătoare? Iată cele mai bune 32 de filme ale anilor 1970.
32. Slap Shot (1977)
(Credit imagine: Universal Pictures)
Îndosariați-l pe acesta la rubrica: Ce caută Paul Newman aici? Scris de scenarista Nancy Dowd și inspirat vag de echipa de hochei din liga secundară a fratelui ei din viața reală care a fost vândută, Slap Shot este o revoltă cu gură spurcată despre o echipă de hochei dintr-un oraș mic care se luptă și care primește un impuls major atunci când cei mai noi jucători ai săi, frații Hanson, dezlănțuie bătăi spectaculoase pe gheață, spre deliciul fanilor. Regizată de George Roy Hill, Slap Shot precede majoritatea comediilor sportive cult, dar aceasta le întrece pe toate cu atmosfera sa de om al cavernelor, cu fragmente demne de râs și cu laureatul cu Oscar Paul Newman – în rolul antrenorului Ruggie Dunlop – care se simte neașteptat de bine în rolul unui veteran al vestiarului cu o garderobă de invidiat.
31. Wanda (1970)
(Credit imagine: Bardene International Films)
O piesă de referință a cinematografiei independente, Wanda urmărește o femeie fără perspective care ajunge în compania unui spărgător de bănci. Opera scenaristei, regizoarei și actriței principale Barbara Loden, Wanda este un portret plin de compasiune și tragic al femeilor care cad prin crăpăturile societății moderne, făcând ecou la propriile sentimente de lipsă de scop ale lui Loden la acea vreme. Loden a fost diagnosticată cu cancer la sân câțiva ani mai târziu și a murit în 1980, Wanda sfârșind prin a fi singurul și unicul efort regizoral al lui Loden. Dar chiar și prin intermediul unui singur film, Loden a influențat generații de artiști independenți și a stabilit permanent standardele cinematografiei iconoclaste.
30. Nashville (1975)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
În comedia muzicală epică Nashville a lui Robert Altman, un miting politic și un festival de muzică care durează o săptămână devine un terariu pentru America anilor 1970, vastitatea sa politică și sociologică fiind condensată într-un microcosmos al industriei muzicale country. Filmul este renumit pentru distribuția de ansamblu, care îi include pe David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin și prea mulți alții pentru a-i mai numi. Deși îmbibat în politica și dinamica socială de la mijlocul anilor ’70, filmul lui Altman rămâne straniu de relevant zeci de ani mai târziu.
29. Suspiria (1977)
(Credit imagine: Produzioni Atlas Consorziate)
Un gigant al horror-ului giallo, clasicul Suspiria al lui Dario Argento din 1977 este o piesă din altă lume despre părțile întunecate ale matriarhatului și ale artei feminine. Jessica Harper joacă rolul unei balerine americane care se transferă la o academie prestigioasă din Germania, doar pentru a afla că școala este locuită de un grup de vrăjitoare. În acest basm corupt, Argento dezlănțuie toată puterea Technicolor-ului viu, cu o avalanșă de palete de roșu, albastru și roz care se învârt împreună într-un ritual de invocare. Combinat cu o atmosferă neliniștitoare evocată printr-o partitură impresionantă a trupei de rock progresiv Goblin, Suspiria este de neuitat de grațios și macabru.
28. American Graffiti (1973)
(Credit imagine: Universal Pictures)
George Lucas avea doar 29 de ani când clasicul său American Graffiti, un film clasic de maturitate, a fost lansat în cinematografe cu recenzii entuziaste. Viitorul regizor al Star Wars abia dacă se afla în criza vârstei de mijloc a vieții când a manifestat nostalgia nostalgică pentru anii adolescenței sale din 1962, ca unul dintre numeroșii tineri dezlănțuiți care se urcau în boliduri cu motor și se plimba în căutarea aventurii în propriile lor centre. În timp ce numele lui Lucas este acum sinonim cu blockbusterele de evadare la scară largă, filmul său cel mai cu picioarele pe pământ, care urmărește o gașcă de adolescenți rock-‘n-roll într-o noapte de vară în orașul natal al lui Lucas, Modesto, din California, încă se simte viu și viguros ca o piesă de epocă semi-autobiografică realizată prin ochii cuiva nu cu mult mai în vârstă decât propriile personaje.
27. The Rocky Horror Picture Show (1975)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
Regizat de Jim Sharman și bazat pe muzicalul din 1973, acest omagiu plin de viață adus filmelor SF și de groază de categoria B a fost în mare parte ignorat la lansare, când a fost afectat de critici proaste și chiar a avut premiera mondială de Halloween din New York anulată. Abia un an mai târziu, filmul și-a găsit în sfârșit o legiune de fani și și-a consolidat statutul de titan al filmelor de la miezul nopții. Susan Sarandon și Barry Bostwick joacă rolul unui cuplu tânăr care se trezește prins în conacul sinistru al unui om de știință nebun (interpretat de neuitat de Tim Curry). Între estetica sa josnică și muzica contagioasă, The Rocky Horror Picture Show este o invitație eternă de a face Time Warp din nou, și din nou, și din nou.
26. The French Connection (1971)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
Considerat pe scară largă drept unul dintre cele mai bune filme din toate timpurile, precum și cu una dintre cele mai bune secvențe de urmărire auto din istorie, filmul noir al lui William Friedkin se bazează pe o poveste adevărată și, în mod corespunzător, surprinde în mod autentic murdăria de iarnă a New York-ului de la începutul anilor 1970. Împărțind timpul între New York și Franța, mai pitorească, The French Connection urmărește doi detectivi duri din poliția din New York (interpretați de Gene Hackman și Roy Scheider) a căror investigație asupra unei rețele de narcotice dezvăluie o schemă internațională de mare anvergură. Emblematic pentru decăderea morală a deceniului, The French Connection încă lovește puternic după atâția ani.
25. Annie Hall (1977)
(Credit imagine: United Artists)
În timp ce admirația pentru Woody Allen s-a deteriorat de-a lungul anilor, Annie Hall merită în continuare să fie celebrat ca o analiză scandalos de jucăușă și profund reflexivă a romantismului modern. Cu scenaristul/regizorul Allen jucându-se practic pe sine însuși (șocant, știu), filmul urmărește un comediant nevrotic care se întreabă de ce relația sa cu cea mai recentă iubită a sa, Annie Hall (Diane Keaton), s-a destrămat. Detașat de realitate și povestit într-o manieră neliniară, care trece în zig-zag între copilăria neobișnuită a protagonistului și celelalte căsnicii eșuate ale acestuia, Annie Hall și-a păstrat multă vreme domeniul de rege al comediilor romantice, deși cu un final fericit care nu seamănă totuși cu majoritatea comediilor romantice tradiționale.
24. Halloween (1978)
(Credit imagine: Trancas International Films)
Tot ce trebuie să auziți sunt acele note de pian obsedante pentru a ști că vă aflați la mică distanță de un ucigaș cu o mască albă sinistră a Căpitanului Kirk. Cel de-al patrulea film al lui John Carpenter, Halloween, este fondator în genul slasher și încă unul dintre cele mai bune pe care acesta le are de oferit. Actrița Jamie Lee Curtis și-a găsit faima în rolul lui Laurie Strode, o liceană obișnuită care este urmărită violent în noaptea de Halloween de Michael Myers (interpretat de Nick Castle și Tony Moran), un ucigaș nemaivăzut și evadat de la un ospiciu. În timp ce Halloween a inspirat numeroase continuări pentru a forma una dintre cele mai profitabile francize de filme de groază din toate timpurile, filmul original este o operă de artă individuală despre traumele tăinuite care pândesc în cartierele de pretutindeni.
23. Kramer vs. Kramer (1979)
(Credit imagine: Columbia Pictures)
În drama sfâșietoare a lui Robert Benton, bazată pe un roman din 1977 de Avery Corman, un divorț amar între un cuplu tânăr – interpretat de Meryl Streep și Dustin Huffman – dezvăluie numeroasele moduri în care societatea îngrămădește așteptări împovărătoare de la oameni pentru a crește o familie sub care le cedează genunchii. În această poveste nu există răufăcători (cu excepția unor avocați nesimțiți), ci doar adevărul crud și dur că dragostea poate să nu fie pe măsura a ceea ce ne dorim și avem nevoie de fapt. În 1979, Kramer vs. Kramer a rezonat cu publicul prin portretul său autentic al familiilor moderne; conform datelor CDC, rata divorțurilor a atins un nivel record de 22,8% în același an.
22. Superman: Filmul (1978)
(Credit imagine: Warner Bros.)
Cu chipeșul Christopher Reeve în rolul Omului de Oțel, alături de Margot Kidder și Gene Hackman, publicul a crezut cu adevărat că un om poate zbura. Bazat pe icoana DC Comics creată de Jerry Siegel și Joe Shuster, filmul de referință al lui Richard Donner despre supereroi (și model pentru Universul Cinematografic Marvel) a demonstrat că poveștile din benzile desenate pot fi spuse cu actori în carne și oase pe ecran. Într-un mediu turbulent, bântuit de Vietnam, de scandalul Watergate și de teroarea existențială provocată de Războiul Rece, Superman: Filmul a reamintit publicului că și cei care dețin puterea pot susține adevărul și dreptatea. Nu ar trebui să fie asta calea americană?
21. Enter the Dragon (1973)
(Credit imagine: Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee este o vedetă mai mare în moarte decât a fost vreodată în viață, iar acest lucru se datorează în mare parte seducătorului Enter the Dragon. Deși a fost regizat de Robert Clouse, Enter the Dragon este cel mai bine amintit ca un vehicul pentru ca legendarul său protagonist să strălucească cu o energie de supernovă în singurul său film de la Hollywood. O capodoperă a machismului în artele marțiale, Enter the Dragon îl are ca protagonist pe Lee în rolul unui călugăr Shaolin, recrutat de armata britanică pentru a investiga fortăreața de pe insula unui lord al crimei. Tragedia morții lui Bruce Lee, care a avut loc în circumstanțe ciudate cu doar câteva luni înainte de premiera filmului, a fost că el era în mod clar destinat pentru mult mai mult. Enter the Dragon oferă doar o imagine a ceea ce ar fi putut fi.
20. Saturday Night Fever (1977)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Nimic nu definește anii 1970 ca disco, și niciun film nu definește disco ca Saturday Night Fever al lui John Badham. Între coloana sa sonoră de hit monstruos și un tânăr John Travolta care se leagănă ca un păun isteric, Saturday Night Fever este un asalt al simțurilor care nu se sfiește să tragă cu ochiul în colțurile întunecate ale discotecii. Travolta joacă rolul unui tânăr de 19 ani din clasa muncitoare care se chinuie la slujba sa de la magazinul de feronerie în timpul săptămânii pentru a trăi ca un rege în fiecare sâmbătă seara la clubul său de noapte preferat. În timp ce articolul de revistă din care a fost inspirat filmul s-a dovedit a fi o farsă, Saturday Night Fever a făcut cu adevărat din discotecă obsesia Americii pentru un moment de neuitat în timp.
19. Close Encounters of the Third Kind (1977)
(Credit imagine: Sony Pictures)
Precedând propriul film seismic al lui Steven Spielberg, E.T.: The Extra-Terrestrial, este epopeea sa din 1977, Close Encounters of the Third Kind. În urma unei întâlniri întâmplătoare cu un OZN, un electrician din Indiana (Richard Dreyfuss) se trezește că obține un loc în primul rând la prima întâlnire oficială dintre Pământ și o societate extraterestră. Un spectacol orbitor, cu un ton și o atmosferă deosebit de regale decât majoritatea filmelor despre invazia extraterestră de dinainte sau de după, Close Encounters of the Third Kind a fost vestitorul unui viitor apropiat plin de science-fiction matur.
18. The Deer Hunter (1978)
(Credit imagine: Universal Pictures)
În perioada imediat următoare Vietnamului, majoritatea Hollywood-ului a ezitat să se confrunte cu eșecul abject al politicilor externe americane care au jucat zeci de vieți omenești ca pe niște pioni. Dar „Vânătorul de căprioare” al lui Michael Cimino (cu Robert De Niro, Christopher Walken și Meryl Streep în distribuție) a fost printre primele și încă cele mai remarcabile filme care au abordat în mod direct eroziunea îngrozitoare a moralei naționale cauzată de războiul din Vietnam. În timp ce părerile diferă în ceea ce privește modul în care The Deer Hunter s-a îndepărtat de scenariul original, care era plasat în lumea interlopă din Las Vegas, filmul lui Cimino este un film puternic, fără menajamente, despre prietenii foarte apropiați din Pennsylvania ale căror vieți sunt schimbate pentru totdeauna de serviciul militar în Vietnam. „Jocul” său central de ruletă rusească a fost interpretat de marele critic Roger Ebert ca un „simbol organizatoric” despre violența aleatorie care „face superfluă orice declarație ideologică despre război”.
17. The Sting (1973)
(Credit de imagine: Universal Pictures)
La câțiva ani după ce a colaborat atât cu Robert Redford, cât și cu Paul Newman în filmul Butch Cassidy and the Sundance Kid, regizorul George Roy Hill s-a reunit cu cei doi interpreți decorați pentru un alt film uluitor, The Sting. Această capcană criminalistică nostalgică și impecabil de elegantă, a cărei acțiune se petrece în timpul Marii Depresiuni, vorbește despre doi escroci care fac echipă pentru a escroca un șef al mafiei. Schemele imposibil de elaborate ale personajelor sunt completate de hainele lor fine, de o coloană sonoră ragtime și de un design estetic general distins care amintește intenționat de senzația de a răsfoi exemplare prăfuite din The Saturday Evening Post. Cu Redford și Newman care funcționează la maxim, este prea ușor ca The Sting să te păcălească ca pe un fraier.
16. Carrie (1976)
(Credit de imagine: United Artists)
Cea mai bună campanie anti-bullying concepută vreodată trebuie să fie Carrie, clasicul horror de durată al lui Brian De Palma. Bazat pe romanul de debut la fel de formidabil al lui Stephen King, Carrie este faimosul film despre o adolescentă timidă și hărțuită (interpretată de Sissy Spacek) care dezvoltă puteri supranaturale și le folosește pentru a se răzbuna pe întreaga ei școală. În timp ce turnarea cu încetinitorul a sângelui de porc din film a fost ironizată la infinit, Carrie este încă obsedantă în descrierea sa de coșmar a liceului și a modului în care, pentru mulți ghinioniști, este suficient de traumatizantă pentru a lăsa răni adânci.
Carrie£8,99 la Waterstones
15. Rețeaua (1976)
(Credit imagine: United Artists)
Pentru oricine s-a simțit nebun ca naiba și nu mai poate suporta, există Network. O piesă fundamentală de comentariu social despre nesustenabilitatea în senzaționalismul nesfârșit al mass-mediei, drama întunecat-comică a lui Sidney Lumet este despre o rețea de televiziune în pragul colapsului până când respectatul său prezentator, Howard Beale (Peter Finch), amenință să se sinucidă în direct la televizor. În timp ce mania lui crește pe măsura creșterii audienței, Network explorează apelul la gust în fața unei avalanșe de informații otrăvitoare. Rețeaua precede cu mult epoca știrilor prin cablu și a social media, dar chiar și după atâția ani, nu și-a pierdut niciodată rostul.
14. One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975)
(Credit imagine: United Artists)
Jack Nicholson și Louise Fletcher joacă împreună în filmul lui MiloŠ Forman One Flew Over the Cuckoo’s Nest, o dramă întunecată care se petrece într-o instituție de boli mintale din Oregan, în care un pacient (Nicholson) este la mila tiranicei infirmiere Ratched (Fletcher) și conduce o rebeliune a colegilor săi pacienți împotriva acesteia. Bazat pe romanul din 1962 al lui Ken Kesey, filmul există ca o celebră metaforă anti-conformism; deși Roger Ebert subliniază într-o recenzie elogioasă din 2003 că simplifică prea mult soluțiile la bolile mintale, nu acesta este de fapt scopul „pentru că nu are niciun interes să fie despre nebunie”, scria Ebert. „Este despre un spirit liber într-un sistem închis”.
Amuzant de notat: filmul a fost filmat în locația Oregon State Hospital, un spital de boli mintale care funcționează în mod legitim. În schimbul permiterii cineaștilor de a folosi locația și actorii pentru a urmări pacienți reali pentru cercetare, pacienții spitalului au trebuit să facă parte din echipa filmului. Într-un articol din 2017 pentru The Guardian, actorul Michael Douglas, care a produs filmul, a comentat: „Ne-am trezit cu un număr [de pacienți] care lucrau în diferite departamente. Nu mi-am dat seama decât mai târziu că mulți dintre ei erau nebuni din punct de vedere penal. Am avut un piroman care lucra în departamentul de artă”.
13. Solaris (1972)
(Credit imagine: Mosfilm)
Imaginează-ți că urăști atât de mult un alt film, încât ți-ai făcut propriul film doar pentru a i-l lipi. Așa a abordat cineastul rus Andrei Tarkovsky filmul său SF Solaris (bazat pe romanul din 1961 al lui Stanislaw Lem) ca o replică la filmul 2001: Odiseea spațială al lui Stanley Kubrick. Pe o stație spațială care orbitează în jurul planetei fictive Solaris, un psiholog (interpretat de Donatas Banionis) este trimis într-o misiune de psihoanaliză a echipajului, care a raportat că a cedat în urma unei crize emoționale. Spre deosebire de filmul lui Kubrick, Solaris al lui Tarkovsky nu este caracterizat de un design imaculat, ci de o estetică uzată și dărăpănată care vorbește despre o experiență umană mai autentică. Tarkovsky i-a dat instrucțiuni directorului său artistic: „Să facem ca stația noastră spațială să arate ca un autobuz vechi și stricat, nu ca o utopie spațială futuristă”.
12. Dirty Harry (1971)
(Credit de imagine: Warner Bros.)
Odată cu dizolvarea Codului Hays prin 1968, Clint Eastwood a apărut, cu un Magnum .357 în mână, cu Dirty Harry în 1971. Regizat de Don Siegel, filmul îl are în rolul lui Eastwood în rolul polițistului corupt din San Francisco „Dirty” Harry Callahan, probabil antieroul definitiv al cinematografiei prin determinarea sa tenace de a respecta legea care, în mod ironic, îl determină să o încalce frecvent. În timp ce Dirty Harry a dat naștere unei francize, primul film este o operă de referință în care Hollywood-ul și-a permis în sfârșit, cu adevărat, violența de pe ecran, care a fost justificată de dreptatea greșită a lui Harry. Epitomizarea miasmei unui deceniu amoral este întrebarea retorică a lui Eastwood: „Te simți norocos, golanule?”.
11. Rocky (1976)
(Credit imagine: United Artists)
După ani de zile în care s-a luptat să reușească ca actor, Sylvester Stallone aproape că a renunțat la o carieră în actorie până când a acumulat încet-încet de lucru ca figurant la TV. Apoi, a urcat în ring cu Rocky, iar de atunci nu a mai fost niciodată la fel. În drama sportivă emoționantă a lui John G. Avildsen, Stallone îl interpretează pe Rocky Balboa, boxer aspirant și recuperator de datorii, care este propulsat în evenimentul principal atunci când campionul la categoria grea Apollo Creed (Carl Weathers) îl alege pe Rocky pentru a lupta într-o demonstrație profesionistă. O dramă sportivă emoționantă, care a inspirat nenumărate filme asemănătoare, Rocky este încă unul dintre cele mai bune filme sportive din toate timpurile. În mod previzibil, a dat naștere unei francize, Rocky III oferind lumii „Eye of the Tiger”.
10. Portocala mecanică (A Clockwork Orange) (1971)
(Credit imagine: Warner Bros.)
Drama distopică suprarealistă a lui Stanley Kubrick, o adaptare a romanului lui Anthony Burgess din 1962, este pur și simplu unul dintre cele mai tulburătoare filme din toate timpurile. Centrat în jurul dezlănțuirii unui lider de bandă de adolescenți cu o carismă stranie (interpretat de Malcolm McDowell), filmul dens din punct de vedere tematic al lui Kubrick descrie extremitățile delincvenței juvenile, coeziunea socială slăbită și impotența autorității. Violența sa oribilă de pe ecran servește unui scop, dar, din păcate, pentru mult timp au existat oameni care nu au înțeles acest scop, iar filmul a inspirat în mod controversat crime imitate din viața reală. În ciuda faptului că a fost retras din cinematografe la insistențele lui Kubrick, Portocala mecanică supraviețuiește ca o capodoperă care își canalizează numeroasele idei pe căile înguste ale unui labirint.
A Clockwork Orange£6,39 la Amazon£8,19 la Hit£9,69 la Hive Books
9. Chinatown (1974)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Se poate defini Chinatown al lui Roman Polanski prin replica finală: „Las-o baltă, Jake, e Chinatown”. Premisa sa este înșelător de simplă: plasată în 1937, o femeie (Faye Dunaway) angajează un detectiv particular, Jake Gittes (Jack Nicholson), pentru a-și urmări soțul suspectat de infidelitate. Ceea ce se întâmplă de fapt este o excavare pe mai multe niveluri în adâncurile întunecate de care omenirea este tulburător de capabilă, filmul folosind convențiile filmului noir și ale misterului pentru a funcționa cu adevărat ca o dramă psihologică. Chinatown nu este doar o locație în film, ci și o metaforă pentru haos, rău și inutilitate, unde cel mai bun și mai moral lucru pe care îl poți face este să nu faci nimic.
8. Apocalypse Now (1979)
(Credit imagine: United Artists)
Francis Ford Coppola aproape că și-a pierdut mințile făcând Apocalypse Now. Stresat din cauza numeroaselor probleme de pe platou, printre care un buget umflat, un program de filmare care a depășit cu mult cele cinci luni prevăzute, furtuni distrugătoare în Filipine și un atac de cord al lui Charlie Sheen, Coppola însuși a recunoscut în 1991: „Încetul cu încetul, am înnebunit.” Este greu de spus fără să fii Coppola dacă durerea a meritat, dar la zeci de ani de la lansarea sa din 1979, Apocalypse Now este considerat pe scară largă un mega-clasic și o piatră prețioasă a canonului Noului Hollywood. O plonjare fantasmagorică în Războiul din Vietnam, filmul se referă la un căpitan militar (Sheen) care este însărcinat în secret cu asasinarea unui colonel rebel (Marlon Brando) care este venerat de oamenii săi și de localnici ca un semi-zeu. Strălucitor și îndrăzneț, Apocalypse Now este, fără îndoială, filmul definitiv despre războiul din Vietnam, dar rezonează cu oricine a fost în iad și înapoi.
7. The Exorcist (1973)
(Credit imagine: Warner Bros.)
Este un film care a speriat atât de mult publicul încât zvonul din gură în gură s-a răspândit ca un foc de paie, făcându-l poate primul hit viral. Regizată de William Friedkin, această adaptare a romanului lui William Peter Blatty (care a scris și scenariul) vorbește despre un preot (Jason Miller), care suferă o criză de credință și care este însărcinat de Biserică să investigheze posedarea demonică a unei tinere (Linda Blair). Un blockbuster care a schimbat regulile jocului, „Exorcistul” nu numai că a făcut ca genul horror să devină mai larg răspândit, dar l-a făcut și respectabil, dovedind că este capabil de mult mai mult decât machiaj și monștri. În acest caz, de a fi un film înspăimântător despre ce înseamnă să te confrunți cu răul îndoielii de sine. Câteva curiozități pentru dumneavoastră: Filmul a fost programat în mod comic pentru o lansare a doua zi după Crăciun, pe 26 decembrie. În timp ce Friedkin dorea o dată diferită, istoricul de film Sarah Crowther susține că data a fost aleasă intenționat pentru a stârni o mică controversă.
6. All the President’s Men (1976)
(Credit imagine: Warner Bros.)
Ceva s-a întâmplat pe 17 iunie 1972 la sediul Comitetului Național Democrat din Washington D.C. Acel ceva a fost scandalul Watergate, care a devenit o carte scrisă de jurnaliștii Carl Bernstein și Bob Woodward de la Washington Post. Patru ani mai târziu, investigația lui Bernstein și Woodward a devenit unul dintre cele mai definitorii filme ale deceniului: All the President’s Men, în regia lui Alan J. Pakula. Un film care susține ingeniozitatea și principiile virtuoase în condițiile unei guvernări necruțătoare, „All the President’s Men” este captivant tocmai pentru privirea sa lipsită de glorie asupra persistenței încăpățânate a jurnalismului de tip gumshoe. Este o profesie plină de uși închise, de telefoane ignorate și de conversații criptografice anonime. Chiar și așa, filmul lui Pakula nu încetează niciodată să fie atât de captivant, în timp ce doi bărbați caută adevărul atunci când nimeni altcineva nu este capabil să facă această muncă.
5. Alien (1979)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
Monumentalul film de groază științifico-fantastic al lui Ridley Scott nu numai că a creat o franciză de durată și i-a făcut vedete pe Sigourney Weaver și John Hurt, dar a modelat limbajul și estetica pentru toți hibrizii de gen care vor urma. Plasat într-un viitor îndepărtat în care călătoriile în spațiu sunt ceva obișnuit, echipajul de șapte oameni de pe nava comercială Nostromo este trezit prematur din stază de un apel de ajutor. Când grupul de aventurieri se întoarce de la investigarea unei nave extraterestre abandonate, ei aduc înapoi, fără să știe, o creatură extraterestră, care se transformă rapid într-o amenințare care scuipă acid și îi amenință pe toți. Cu sloganul său iconic „În spațiu, nimeni nu te poate auzi țipând”, Alien a dat o nouă și terifiantă față a două genuri istorice dintr-o singură lovitură.
4. Taxi Driver (1976)
(Credit imagine: Columbia Pictures)
Intenționat de regizorul Martin Scorsese să pară un vis, Taxi Driver seamănă mai degrabă cu o halucinație indusă de febră, fiind un thriller psihologic despre misiunea unui bărbat dereglat de a curăța singur un New York corupt. Cu Robert De Niro în rolul lui Travis Bickle, un veteran traumatizat al Războiului din Vietnam și șofer de taxi nocturn, Taxi Driver este ca și cum ai arunca o privire în creierul unui bărbat nesigur care își compensează neajunsurile cu o masculinitate extremă și cu iluzii de grandoare. La zeci de ani de la lansarea sa din 1976, controversatul film al lui Scorsese – care a inspirat cel puțin o tentativă de asasinat prezidențial – este încă alarmant de relevant.
3. Nașul (The Godfather – 1972)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola ar fi putut să se oprească la The Godfather (Nașul) și ar fi fost în continuare un artist cinematografic venerat. Bazat pe bestsellerul din 1969 al lui Mario Puzo despre o dinastie mafiotă italiană fictivă, filmul nemuritor al lui Coppola îi are în rolurile lui Al Pacino și Marlon Brando (plus James Cann, Robert Duvall și Diane Keaton) ca șefi ai familiei criminale Corleone. Plasată între anii 1945 și 1955, epopeea de amploare a lui Coppola îl vede pe Michael Corleone (Pacino) cum Michael Corleone (Pacino) crește de la fiul cel mai mic, reticent să se gândească măcar la afacerile familiei sale, până la rolul de succesor al tatălui său. Un adevărat clasic american, „Nașul” este cu adevărat unul dintre cele mai mari filme din toate timpurile, prin studiul său dramatic al dinamicii familiale, surprinzând în același timp atmosfera lumii mafiei italiene din America postbelică.
The Godfather£6,63 la Amazon
2. Războiul Stelelor (1977)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
A dat naștere uneia dintre cele mai profitabile și mai recunoscute francize media din lume. Dar chiar dacă nu a făcut-o niciodată, filmul lui George Lucas din 1977 Star Wars (redenumit ulterior Star Wars: Episode IV – A New Hope) este o realizare artistică de pură imaginație. Pornind de la propria incapacitate a lui Lucas de a realiza un film cu Flash Gordon, Războiul Stelelor este, mai presus de orice, o poveste clasică despre binele împotriva răului, în care cei mai mici, înarmați cu idealuri progresiste, pot totuși să învingă forțele superioare. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness și vocea impunătoare a lui James Earl Jones alcătuiesc cea mai bună aventură de evadare dintr-o galaxie foarte, foarte îndepărtată.
Războiul stelelor£9,95 la Amazon£12,98 la Amazon£13,60 la Amazon
1. Fălci (1975)
(Credit imagine: Universal Pictures)
Doar pentru că este vară nu înseamnă că nu ar trebui să nu vă temeți de întunericul abisului de sub voi. În filmul de groază monstruos definitiv al lui Steven Spielberg, Jaws, un oraș pitoresc de pe plajă este terorizat de un mare rechin alb deosebit de înfometat care adună un număr de cadavre ca un criminal în serie calculat. Unul dintre primele adevărate blockbustere hollywoodiene, Spielberg a depășit cu iscusință problemele tehnice cu rechinul pentru a crea o atmosferă de groază perpetuă și imprevizibilă; într-adevăr, nimic nu este mai înfricoșător atunci când nu știi unde se află monstrul în orice moment. Deși există mult mai multe filme din anii 1970 care merită o recunoaștere similară ca fiind unele dintre cele mai bune din toate timpurile, doar unul dintre ele este suficient de demn pentru a cere o barcă mai mare.
Jaws8.1/10Vezi la Netflix£6.39 la Amazon£9.69 la Hive Books