Anii ’60 reprezintă mult mai mult decât hipioții groovy, rockerii progresivi și fashionistele modă. Iar în ceea ce privește filmele, au avut unele dintre cele mai mari personaje imaginate vreodată.
În timp ce Hollywood-ul a continuat să meargă mai departe cu filme de studio lustruite, popularitatea filmelor în limbi străine a împins mai departe plicul filmelor cu povești și teme provocatoare – și, de multe ori, cu personaje neobișnuite. Mișcările Noului Val din Franța, Japonia și Italia, ca să nu mai vorbim de renașterea filmelor western în întreaga Europă, au introdus o mulțime de antieroi atractivi și amorali. Între timp, în Statele Unite, câteva dintre cele mai mari vedete de la Hollywood și-au menținut profilul ridicat interpretând unele dintre cele mai emblematice personaje care au existat vreodată în cinematografie.
De la pistolari cu glume înțelepte la femei cu probleme și cowboy care călătoresc în vârful unor focoase nucleare, mai jos sunt 32 dintre cele mai mari personaje de film din anii 1960.
32. Col. George Taylor (Planeta maimuțelor)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
Când colonelul George Taylor al lui Charlton Heston, un astronaut uman, rostește în sfârșit un discurs în clasicul SF Planeta maimuțelor din 1968, cuvintele sale explodează ca o explozie nucleară, iar tăcerea ulterioară a maimuțelor vorbitoare și umblătoare este la fel de asurzitoare. Într-un Pământ futurist guvernat de maimuțe hiperinteligente și în care oamenii sunt sălbatici neinteligibili, colonelul Taylor este avatarul întregii umanități, rămășița sa dintr-o specie puternică, dar arogantă, condamnată să realizeze marea noastră cădere din dominație.
31. Rosemary Woodhouse (Rosemary’s Baby)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Este nefericit și ironic faptul că unul dintre cele mai bune filme despre pierderea agenției unei femei vine de la regizorul Roman Polanski. Cu toate acestea, clasicul horror psihologic din 1968 al lui Polanski, Rosemary’s Baby (Rosemary’s Baby), cu o Mia Farrow extrem de expresivă în centrul său, este arzător. Farrow o interpretează pe Rosemary Woodhouse, tânăra soție a unui actor de teatru newyorkez de succes, a cărei sarcină aduce tot felul de probleme și bântuiri inexplicabile în noul lor apartament. Rosemary’s Baby prezintă unul dintre cele mai întunecate finaluri din toate timpurile, și atât de mult din el ne influențează amintirea noastră durabilă despre Rosemary – o femeie inocentă, complet coruptă din interior de un rău de nedescris.
30. Lucky Jackson (Viva Las Vegas)
(Credit imagine: MGM)
Unul dintre filmele definitive ale lui Elvis Presley, Viva Las Vegas îl are ca protagonist pe titanul rock ‘n roll în rolul unui șofer de curse cântăreț care se îndrăgostește de o profesoară de înot dintr-un hotel din Las Vegas (interpretată de frumoasa Ann-Margret). În timp ce Lucky Jackson este necomplicat, el este definiția perfectă a cool-ului datorită unui Presley alb și fierbinte, a cărui prezență scenică fără efort s-a tradus frumos într-o carieră cinematografică timp de peste un deceniu. Chiar dacă o mare parte din film este de uitat, cântecul său de titlu „Viva Las Vegas” este atât de detestabil de catchy, iar interpretarea lui Presley îi vinde magnetismul.
29. Femeia bătrână (Onibaba)
(Credit imagine: Toho)
În clasicul horror obsedant al lui Kaneto Shindo, Onibaba, a cărui acțiune se petrece în secolul al XIV-lea, două femei – o bătrână (interpretată de Nobuko Otowa) și tânăra ei noră (Jitsuko Yoshimura) – prind în capcană samuraii rătăciți, dispun de cadavrele lor și își vând marfa pentru bani. În cele din urmă, gelozia și suspiciunea divizează femeile intrigante în propriul lor război civil amar, iar personajul lui Otowa cedează în fața unei entități supranaturale sinistre (prin intermediul unei măști demonice). Interpretarea înfricoșătoare a lui Otowa dezvăluie întunericul abject al unei femei care își dă seama de soarta ei în fața răului la propriu, creând o imagine de durată a neputinței omenirii în fața forțelor eldritch.
28. Michel (Breathless)
(Credit imagine: SociÉtÉ nouvelle de cinÉmatographie)
Eroul prototip al cinematografiei franceze din Noul Val, Michel, interpretat de Jean-Paul Belmondo, este protagonistul condamnat al veneratei capodopere a lui Jean-Luc Godard, Breathless. Un infractor mărunt care suferă de miopie și de iluzii de romantism, Michel se modelează în mod intenționat după Humphrey Bogart și, prin intermediul aventurii sale cu o frumoasă studentă americană la jurnalism la Paris, fetișismul său pentru finalurile fericite în stil hollywoodian pare ironic, având în vedere soarta sumbră care îl așteaptă. Michel nu este un tip rău. Cel puțin, nu cu adevărat. Este doar un pic pierdut în propria imagine fantezistă pe care și-o creează.
27. King Ghidorah (Ghidorah, monstrul cu trei capete)
(Credit imagine: Toho)
În 1954, Godzilla s-a ridicat din adâncuri și a călcat în picioare prin Tokyo, făcând prăpăd cu respirația sa atomică. Zece ani mai târziu, Godzilla a devenit protectorul Pământului de o amenințare și mai mare: Ghidorah, un dragon auriu cu trei capete, evocator al mitului japonez. Indiferent de originile sale, fie că este străvechi sau extraterestru, Ghidorah – care și-a făcut debutul pe ecran în filmul Ghidorah, monstrul cu trei capete din 1964 – se bucură de un statut de durată, fiind unul dintre cei mai mari rivali ai lui Godzilla, o bestie capabilă de distrugeri imense. Ghidorah este pur și simplu un mare monstru cinematografic din toate timpurile și se ridică deasupra altora din canonul Godzilla pentru prezența sa pur și simplu intimidantă.
26. Barbarella (Barbarella)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Înainte ca Prințesa Leia să apară într-o galaxie foarte, foarte îndepărtată, a existat Barbarella. O războinică spațială senzuală căreia i-a dat viață efervescenta Jane Fonda, Barbarella este o eroină plină de energie care își poartă sexualitatea pe mânecă. (Ei bine, ar fi făcut-o, dacă ar fi avut mâneci). Un omagiu adus la sfârșitul anilor 1960 cărților de benzi desenate, Barbarella interpretată de Fonda este veselă și caraghioasă, oferind o profunzime tematică care este doar la nivelul pielii. Cu toate acestea, prin talentul și frumusețea unei Jane Fonda, Barbarella este o regină iconică a ecranului SF care poate face ca spațiul să fie prea fierbinte pentru a fi manevrat.
25. Christine (Eyes Without a Face)
(Credit imagine: Janus Films)
Este poetic faptul că, în Eyes Without a Face (Ochi fără față) al lui Georges Franju, cea cu cea mai hidoasă diformitate facială este cea a cărei conștiință rămâne intactă. În clasicul horror francez al lui Franju, Édith Scob joacă rolul lui Christine, fiica presupus moartă a celebrului medic Dr. GÉnessier (Pierre Brasseur). În realitate, Christine este supraviețuitoarea unui accident de mașină violent și, în izolarea ei, suferă de cicatrici devastatoare. Acest lucru îl determină pe Dr. GÉnessier (și pe asistentul său) să răpească tinere femei frumoase și să le recolteze fețele pentru proceduri experimentale în vederea „vindecării” afecțiunii lui Christine. Dar, în timp ce tatăl ei a devenit un monstru, Christine își păstrează umanitatea, chiar dacă societatea exterioară ar evita-o în schimb.
24. Butch Cassidy și Harry Longabaugh (Butch Cassidy and the Sundance Kid)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
În prima lor apariție ca pereche pe ecran, Paul Newman și Robert Redford au strălucit în rolul pistolarilor nelegiuiți Butch Cassidy și „Sundance Kid” Harry Longabaugh. Dispunând de personalități contrastante complementare – Butch fiind exuberantul trăgător de focuri de armă, iar Harry preferând să-și țină bordura pălăriei joasă și atenția fixată pe învățătoarea Etta – cei doi își câștigă locul ca unul dintre cele mai bune duo-uri masculine din cinematografie, fiind modelul pentru perechile din comediile de acțiune pentru deceniile următoare. Cu mult înainte ca rețelele de socializare și TikTok să popularizeze ideea de a avea o „plimbare și a muri”, Butch Cassidy și Harry Longabaugh s-au ridicat la înălțimea acestui spirit, bucurându-se de nemurire în filmul lor de încheiere în cadru înghețat.
23. Dolores Haze (Lolita)
(Credit imagine: MGM)
Cum au reușit să facă un film din Lolita? Au distribuit-o pe Sue Lyon, în vârstă de 14 ani, iată cum. În controversata, dar celebra adaptare a lui Stanley Kubrick a romanului lui Vladimir Nabokov, Lyon o interpretează pe Dolores Haze, obiectul (și într-adevăr, este un obiect) afecțiunii din partea profesorului de vârstă mijlocie Humbert Humbert. Pentru toate lecturile pe care le putem face la Lolita, atât romanul, cât și inextricabilele sale versiuni cinematografice, există întotdeauna problema lui Dolores însăși. Ea nu folosește nici măcar o dată porecla „Lolita”. Aceasta este folosită de alții, răpindu-i de fapt subiectivitatea.
Din păcate, portretul memorabil al lui Lyon a fost însoțit de dezavantaje straniu de potrivite pentru ea însăși, Lyons exprimându-și ulterior dificultatea de a-și menține sănătatea mentală și emoțională după ce a fost aruncată în faimă la o vârstă fragedă din cauza sexualității sale. În 1996, Lyons a declarat pentru The Independent: „Distrugerea mea ca persoană datează din acel film. Lolita m-a expus la tentații la care nicio fată de acea vârstă nu ar trebui să fie supusă. Sfidez orice fată drăguță care este propulsată la celebritate la 14 ani într-un rol de nimfetă sexuală să rămână pe calea cea dreaptă după aceea.”
22. Dolly Levi (Hello, Dolly!)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
În cele mai multe versiuni ale musicalului Hello, Dolly!, Dolly Levi este o femeie îndrăgită de vârstă mijlocie, a cărei nouă șansă la viață o face să fie dornică să se potrivească cu celibatarii și să se amestece în afacerile altora. În versiunea cinematografică din 1969, cu superstarul Barbara Streisand, Dolly Levi este un pic mai grosolană, dar nu este mai puțin plăcută de văzut, fiind atât de plină de viață și la fel de colorată ca și garderoba ei strălucitoare. Deși se pare că Streisand nu s-a înțeles în spatele scenei nici cu colegul ei de platou Walter Matthau și nici cu regizorul Gene Kelly, acest lucru nu a împiedicat-o pe Dolly Levi să explodeze de strălucire.
21. Lucas „Luke” Jackson (Cool Hand Luke)
(Credit imagine: Warner Bros.)
Paul Newman și-a cimentat pentru totdeauna locul în istoria filmului pentru interpretarea sa în rolul deținutului rebel din închisoare Luke Jackson, în filmul clasic Cool Hand Luke din 1967 al lui Stuart Rosenberg. Pe măsură ce carisma inegalabilă de star de cinema a lui Newman transpiră prin firele murdare din curtea închisorii, Luke devine patronul sfânt al sfidării, perturbându-și instituția opresivă cu un adevărat simț al umorului. O figură aspirațională a anarhiei, Luke Jackson face ca tulburarea dezordinii în lanț să arate al naibii de bine.
20. Locotenentul Frank Bullitt (Bullitt)
(Credit de imagine: Warner Bros.)
Conduce un Mustang așa cum niciun alt bărbat nu poate și arată bine în timp ce o face. În filmul care a ajuns să definească cariera lui Steve McQueen, McQueen joacă rolul detectivului de poliție din San Francisco, Frank Bullitt, care investighează un caz în care este implicată mafia din Chicago. Sincer, detaliile poveștii nu contează. Pentru că tot ce-și amintește cineva cu adevărat despre Bullitt, în afară de urmărirea epică a mașinii, este cât de tare este Frank Bullitt. Interpretat de McQueen, Frank Bullitt merge și vorbește de parcă ar fi sărit dintr-o revistă. Între puloverul său cu guler înalt demn de salivat și invidiabilul Ford Mustang, personaje precum Bullitt au fugit pentru ca alții precum John McClane și John Wick să poată fugi.
19. Ryunosuke (The Sword of Doom)
(Credit imagine: Toho)
Sfidând concepția populară despre samurai ca fiind soldați nobili care prețuiau onoarea, filmul The Sword of Doom (1966) al lui Kihachi Okamoto vorbește despre un spadasin amoral, Ryunosuke (Tatsuya Nakadai), care rătăcește prin Japonia feudală pentru a lăsa în calea sa o dâră de vărsare de sânge. Rece și crud, Ryunosuke folosește propriul său stil de mânuire a sabiei, o formă sinistră supranumită „Poziția tăcută”, care își păcălește adversarii pentru a-i atrage înainte de a-i tăia. Un antierou întunecat care trăiește și luptă doar pentru el însuși, Ryunosuke este unul dintre cele mai înfricoșătoare personaje din istoria filmelor cu samurai, fiind cineva care își bate joc în liniște de codul Bushido doar prin faptul că este mai rapid, mai puternic și mai mortal decât oricine îi stă în cale.
18. Maria Von Trapp (The Sound of Music)
(Credit imagine: 20th Century Studios)
Cum rezolvi o problemă precum cea a Mariei? La un an după ce Julie Andrews a jucat rolul unei dădace magice pentru niște puștoaice britanice în Mary Poppins, ea a devenit din nou guvernanta a șapte inadaptați austrieci în versiunea cinematografică a lui Robert Wise a lui Roger & Hammerstein’s The Sound of Music. În timp ce Mary Poppins plutește cu toată magia Disney, Maria Von Trapp a lui Andrews este mai ancorată în pământ, fiind o profesoară instructivă în ceea ce înseamnă să savurezi viața și să accepți numeroasele ei provocări cu un cântec. Cu interpretarea impunătoare a lui Andrews, Maria Von Trapp este cu greu o „problemă” care trebuie rezolvată.
17. Maiorul T.J. Kong (Dr. Strangelove)
(Credit imagine: Columbia Pictures)
Peter Sellers interpretează mai multe personaje în filmul Dr. Strangelove al lui Stanley Kubrick, însă există un personaj pe care nu îl interpretează și care inspiră una dintre cele mai durabile imagini ale acestuia. Slim Pickens joacă în satira despre război din 1964 în rolul maiorului T.J. „King” Kong, un comandant de B-52 cu un patriotism caricatural, care călărește o bombă H până la sol, hulind și strigând pe tot parcursul căderii. Partea cea mai bună este că lui Pickens nu i s-a spus că filmul este o comedie neagră, iar întreaga sa interpretare este rezultatul faptului că a jucat rolul cât mai direct posibil. Și mai bine: potrivit biografului lui Kubrick, John Baxter, într-un interviu documentar, Slim Pickens a venit pe platou în prima zi de filmare îmbrăcat din cap până în picioare în haine de cowboy. Toată lumea credea că a sosit în costum. Au aflat mai târziu că Slim Pickens pur și simplu se îmbrăca așa în viața reală.
16. Doamna Robinson (The Graduate)
(Credit imagine: Lionsgate)
În cinstea ta, doamnă Robinson. În drama romantică atemporală a lui Mike Nichols, Anne Bancroft joacă rolul imprevizibilei seducătoare doamna Robinson, o femeie de vârstă mijlocie într-o căsnicie fără iubire, care declanșează o aventură fierbinte cu tânărul absolvent de facultate Benjamin (Dustin Hoffman). Încet-încet, doamna Robinson devine antagonista filmului, folosindu-se de aventura lor pentru a-l împiedica pe Benjamin să se întâlnească cu fiica ei, Elaine. Extrem de emotivă și manipulatoare, doamna Robinson este dovada că unii dintre cei mai buni răufăcători din filme sunt cei care te pot ademeni cu un zâmbet și o țigară.
15. „Pierrot” Ferdinand și Marianne (Pierrot le Fou)
(Credit imagine: Lionsgate)
În cel de-al zecelea film al lui Jean-Luc Godard, Pierrot le Fou, care este considerat pe scară largă drept capodopera sa și epitomul Noului Val francez, colaboratorii frecvenți Jean-Paul Belmondo și Anna Karina fac echipă în rolul lui Ferdinand și, respectiv, Marianne. Ferdinand, un soț nemulțumit de viața modernă, alege să fugă la Marea Mediterană cu Marianne, o fostă iubită care fuge de asasinii guvernului. Cei doi se îmbarcă într-o viață de crimă, o adevărată versiune din anii 1960 a lui Bonnie și Clyde, doar că cu mult mai multe explozii de mașini, focuri de armă și spargerea celui de-al patrulea perete. Împreună, ei sunt unele dintre cele mai bune personaje care au apărut vreodată în cinematografia franceză și își revendică locul în felul lor neobișnuit.
14. Bunicul lui Paul (A Hard Day’s Night)
(Credit imagine: United Artists)
Toată lumea are dreptul la două. În comedia suprarealistă A Hard Day’s Night, în care joacă legendara trupă rock The Beatles, Wilfrid Brambell joacă rolul lui John McCartney, „bunicul” lui Paul McCartney, care însoțește trupa în călătoria lor spre și în jurul Londrei. Acționând ca un șmecher desprins dintr-o carte de povești, „bunicul lui Paul” își bate joc de orice idee că ar fi doar un bătrânel amabil, intrând în tot felul de probleme, de la recăsătorirea spontană până la încercarea de a vinde autografe false. Chiar și într-un film plin de glumeți, „Bunicul lui Paul” se distanțează în mod încântător, comportându-se ca și cum întregul film ar fi de fapt despre el.
13. Inspectorul Jacques Clouseau (The Pink Panther)
(Credit imagine: United Artists)
Neîndemânatic, dar mereu pe fază, oricât de mult l-ai ruga să nu mai fie, inspectorul Jacques Clouseau se uită cu o oglindă comică la eroii misterelor de tip hard-boiled. Având originea în satira The Pink Panther (1964) a lui Blake Edwards, Clouseau a fost o descoperire, fiind interpretat de Peter Sellers. De fapt, filmul se concentrează în jurul lui Sir Charles Lytton, interpretat de David Niven, un gentleman hoț care încearcă să-l contracareze pe ineptul Clouseau. În timpul producției, realizatorii și-au dat seama cât de mult a furat scenele Clouseau interpretat de Sellers și, astfel, au început să adapteze filmul în jurul lui, în locul personajului „principal” propriu-zis. În timp ce Clouseau a ajutat la transformarea Panterei Roz într-o franciză, prima sa apariție în primul film este o ilaritate supradimensionată în cea mai bună formă.
12. HAL 9000 (2001: A Space Odyssey)
(Credit imagine: MGM)
Pe măsură ce SF-ul s-a maturizat ca gen cinematografic în anii 1960, clasicul nemuritor al lui Stanley Kubrick, 2001: Odiseea spațială, a arătat cum inteligența artificială poate fi în mod natural terifiantă. În filmul lui Kubrick, supercomputerul HAL 9000, cu o voce înfricoșător de blândă, conceput pentru a ajuta oamenii de știință aflați la bordul navei spațiale Discovery One în drumul lor spre Jupiter, devine inamicul lor, ucigându-i, folosindu-se de navă pentru a nimici echipajul unul câte unul. Deși, din toate punctele de vedere, HAL 9000 este un personaj negativ, HAL 9000 ridică întrebări la care omenirea încă nu știe să răspundă după atâția ani, cum ar fi valoarea unei vieți, chiar dacă acestea sunt „doar” mașini.
11. Corie Bratter (Desculț în parc)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
În varianta cinematografică haioasă a piesei de teatru a lui Neil Simon, realizată de Gene Saks, Jane Fonda joacă rolul vivacei și pasionalei Corey, soția proaspăt căsătorită a avocatului cu vederi conservatoare Paul (Robert Redford). În timp ce Paul rămâne cu picioarele pe pământ, Corey face tot ce poate pentru ca mariajul lor să se simtă paradisiac, chiar și atunci când o gaură în acoperișul lor de sticlă face ca acest lucru să fie prea literal pentru a fi confortabil. Sexy și senzațional, Corie și, de fapt, Barefoot in the Park în ansamblul său, este un film uneori trecut cu vederea și subestimat în canonul filmelor din anii ’60. Dar este una dintre cele mai antrenante comedii ale deceniului, iar farmecul nemărginit al lui Fonda în rolul lui Corie face ca filmul să fie un vis.
10. Ben (Night of the Living Dead)
(Credit imagine: Janus Films)
În filmul de groază „Noaptea morților vii” al lui George Romero, actorul Duane Jones joacă rolul lui Ben, un străin care devine liderul de facto al unui grup de oameni din zona rurală a Pennsylvaniei în noaptea în care morții vii învață să umble printre cei vii. Deși publicul află foarte puține lucruri prețioase despre cine este cu adevărat Ben înainte de film, el strălucește totuși ca prototip pentru viitorii protagoniști de survival horror. Night of the Dead (Noaptea morților) a fost revoluționar pentru vremea sa și, într-un fel, încă mai este, pentru că a distribuit un actor de culoare ca Jones în rolul principal. Prezența lui sfidează înțelepciunea convențională despre cum se vând filmele, ce povești pot ancora bărbații de culoare și cum finalul său înfiorător arată cum prejudecățile noastre ne fac să fim orbi față de adevărații noștri dușmani.
9. Guido Anselmi (8 ½)
(Credit imagine: Janus Films)
În calitate de dublură a regizorului Frederico Fellini, portretizarea de către Marcello Mastroianni a unui cineast care suferă o perioadă de secetă creativă permite celebrului său film 8 ½ să capete un aer semnificativ de auto-reflecție. (Titlul, de asemenea, este o aluzie explicită la cariera lui Fellini, făcând referire la cele opt filme anterioare ale sale). Cu toate acestea, Fellini nu seamănă deloc cu alter ego-ul său proiectat: Guido Anselmi, un artist masculin cu părul argintiu care își ascunde ochii fumurii în spatele unor ochelari de soare scumpi. Niciodată până acum sufletele vizionare torturate nu au arătat atât de elegant, iar Guido Anselmi este exemplul lor.
8. Holly Golightly (Breakfast at Tiffany’s)
(Credit imagine: Paramount Pictures)
Versiunea cinematografică a lui Blake Edwards a filmului Breakfast at Tiffany’s face câteva ajustări critice la personajul Holly Golightly din romanul original al lui Truman Capote. Dar luminozitatea pură a singurei și unica Audrey Hepburn îi permite lui Holly să se simtă dimensională și complexă, în ciuda exteriorului ei chic. Holly nu este doar o icoană de stil care întruchipează moda modă metropolitană a anilor ’60, ci și o figurină onirică, o entitate care ar putea fi creată doar în mediile sigilate ale unei comedii romantice de la Hollywood, dar care totuși se simte suficient de vie pentru a ieși din ecran. Este frumoasă și sofisticată, dar niciodată prea bună pentru un râs copios. Faptul că este pe cât de tulburată, pe atât de singuratică îi sporește farmecul. Chiar și revistele de modă sunt predispuse să aibă riduri.
7. Nana (Vivre sa vie)
(Credit imagine: Janus Films)
Filmele nu au întotdeauna finaluri fericite. Oamenii care își urmăresc visele nu sunt întotdeauna răsplătiți pentru eforturile și perseverența lor. Aceasta este ideea obsedantă care stă la baza dramei întunecate a noului val francez Vivre sa vie a lui Jean-Luc Godard. Anna Karina joacă rolul unei frumoase tinere pariziene pe nume Nana, care își părăsește soțul și copilul pentru a urma o carieră de actriță, dar care recurge la prostituție pentru a se descurca. Sfârșitul crud al lui Vivre sa vie nu este dur doar în construcția sa – o explozie de violență, urmată de o tăietură abruptă în negru – ci și cât de nepăsător se debarasează de personajul său principal complex, un individ pe care l-am văzut exprimând întreaga gamă de umanitate doar pentru a fi lăsat brusc în urmă.
6. Norman Bates (Psycho)
(Credit imagine: Universal Pictures)
Psycho nu este doar unul dintre cele mai influente filme de groază din toate timpurile, antagonistul său Norman Bates (Anthony Perkins) este unul dintre cele mai esențiale personaje din istoria filmului. Poți preda un întreg curs universitar despre ceea ce reprezintă Norman Bates în domeniul psihologiei și al studiilor de gen, ca să nu mai vorbim despre modul în care filmele de groază și suspans se bazează pe răsturnări de situație narative pentru a ține publicul în suspans, așa cum a făcut Psycho. Dar, mai presus de toate, Anthony Perkins este cel care i-a imprimat lui Norman Bates o textură stranie, locuindu-l mai puțin ca pe un actor care joacă un rol și mai mult ca pe un lup care își ia o deghizare. Există ceva în spatele acelui zâmbet al său, și nimic din toate acestea nu este bun.
5. Dr. John Wade Prentice și Christina Drayton (Guess Who’s Coming to Dinner)
(Credit imagine: Columbia Pictures)
Într-un fel, nu este nimic remarcabil la Dr. John Prentice și Christine Drayton. Sunt niște yupi îndrăgostiți, atât de ușor de imaginat în tricouri asortate cu Mickey și Minnie la Disneyland sau delirând cu vreun pat și mic dejun plictisitor. Dar „Ghici cine vine la cină”, de Stanley Kramer, a fost lansat în 1967, când miscegenerarea era încă ilegală în multe părți ale Statelor Unite. Așadar, acest cuplu plăcut, un medic de culoare (legendarul Sidney Poitier) și tânăra fiică albă (Katharine Hepburn) a unor liberali albi bogați, sunt de fapt personaje radicale, mai puțin ca persoane, cât ca ceea ce reprezintă: cum dragostea poate și va transcende mediile rasiale. Fiind o comedie romantică lejeră, care se confruntă fără echivoc cu rasismul prin intermediul cuplului său superb, „Ghici cine vine la cină” este infinit mai important și mai consecvent decât implică aspectul său plăcut.
4. Sanjuro (Yojimbo și Sanjuro)
(Credit imagine: Toho)
Toshiro Mifune a interpretat alte personaje decât samuraii de-a lungul carierei sale cinematografice. Dar el este încă puternic asociat cu aceștia, și asta datorită unor filme precum Yojimbo și Sanjuro, în care a jucat rolul unui ronin anonim rătăcitor care poartă numele de Sanjuro. În timp ce Yojimbo și Sanjuro sunt filme diferite din punct de vedere al poveștii – cel din urmă a luat naștere ca o adaptare a unui roman înainte de a fi refăcut într-o continuare directă a primului film de mare succes – ambele îl au pe înflăcăratul Toshiro Mifune în rolul înfricoșătorului spadasin care se implică în diverse afaceri în călătoriile sale. Dacă filmele cu samurai sunt cu adevărat analoge cu filmele western, atunci un personaj precum Sanjuro poate rivaliza cu siguranță, și poate avea multe în comun, cu personaje precum Omul fără nume.
3. Omul fără nume (The Man with No Name – Trilogia dolarilor)
(Credit imagine: MGM)
Nu a fost intenția lui Sergio Leone ca șmecherul pistolar fără nume al lui Clint Eastwood să conducă o trilogie de filme. Dar începând cu A Fisful of Dollars din 1964 și terminând cu The Good, the Bad, and the Ugly din 1966, Clint Eastwood a interpretat unul dintre cei mai mari și mai enigmatici antieroi din întregul canon al filmelor western. Adus la viață de un Eastwood transpirat, cu ochi migdalați întredeschiși, o atitudine rea și un poncho (ale cărui origini de pe ecran creează de fapt o cronologie semi-definită a trilogiei), Omul fără nume este pur și simplu unul dintre cei mai cool și mai periculoși oameni care au ținut vreodată un revolver în mână, o figură formatoare căreia personaje precum John Wick, John Marston și The Mandalorian îi sunt datoare.
2. James Bond (seria 007)
(Credit imagine: MGM)
Numele lui este Bond… James Bond. Pornind de la spionul problematic din operele literare ale lui Ian Fleming, Sean Connery a fost cel care ne-a modelat pentru totdeauna impresia și așteptările ulterioare legate de James Bond pentru deceniile următoare. Este chipeș, este carismatic, este un pic prea îndrăzneț pentru gusturile moderne. Dar el este Bond, un om de acțiune și un om al misterului pe care generații vor aspira mereu să îl imite.
1. Atticus Finch (Să ucizi o pasăre cântătoare)
(Credit imagine: Universal Pictures)
Este nevoie de mai mult decât să știi pentru a face ceea ce este corect. Trebuie să știi cum să faci ceea ce este corect, să îl susții și să îl argumentezi. Chiar și atunci când oamenii din jurul tău se uită cu pumnalul în ochii tăi pentru a spune contrariul. În versiunea cinematografică realizată de Robert Mulligan a romanului clasic al lui Harper Lee, Gregory Peck dă viață avocatului model Atticus Finch, care pledează în favoarea unui bărbat de culoare nevinovat, acuzat că a violat o tânără femeie albă în Alabama segregată. (To Kill a Mockingbird (Să ucizi o pasăre cântătoare) a fost lansat cu doi ani înainte ca Actul Drepturilor Civile din 1964 să desființeze segregarea ca fiind ilegală).
Este o legendă populară faptul că Atticus Finch a fost un model incomod în rândul avocaților idealiști. Dar acest lucru nu anulează puterea lui Atticus ca personaj, instructiv în morala sa și o stea polară pentru ca noi toți să știm că binele și răul nu este o simplă chestiune de ceea ce cred toți ceilalți că este. Atticus Finch nu este doar unul dintre cele mai bune personaje de film din anii 1960 – este unul dintre cele mai bune care au fost create vreodată.